Billie Eilish: Das Leben im Schnelldurchlauf

Billie Eilish
„Happier Than Ever“
(Interscope/Universal)

Je älter wir werden, desto größer ist die Versuchung, mit unseren Erfahrungen zu prahlen. Klar, womit sollen wir auch sonst so punkten, wenn die Haare schütter, die Knochen morsch und die Haut faltig werden. Also – alles schon gehört, alles schon gesehen? Zugegeben, Überraschungen sind rar gesät, aber als Billie Eilish vor zwei Jahren alle Welt verrückt machte, mussten wir doch anerkennen, dass das alles schon recht neu oder zumindest ziemlich clever war. Popstar und Gothkid, benahm sich so ganz anders, als wir es von den Postergirls und –boys unsrer Zeit gewohnt waren, angenehm unangepasst, die wichtigen Themen zur richtigen Zeit. Ganz ehrlich, es ist tatsächlich ein großes Geschenk, die eigenen Töchter mit dieser Billie Eilish aufwachsen zu sehen (denn sie hätten es weitaus schlimmer treffen können), sehnsüchtig, ausgeflippt, an den Lippen hängend, natürlich auch irritiert, verunsichert, zweifelnd. Aber das nur, um letztendlich noch fester zu ihr, zu ihren Ansichten, Kämpfen zu stehen. Zur Zufriedenheit und auch der Sorge mischt sich dann auch ein wenig Neid, dass diese Zeiten für uns unwiederbringlich vorbei sind und man muss nicht noch mal die Sache mit dem Bogen und den lebenden Pfeilen aufkochen, um zu wissen, dass es grundverschiedene Welten sind, in denen wir leben.



Nun also ein neues Album und natürlich hat man vorhersehen können, was das große Thema von „Happier Than Ever“ werden würde. Waren es zuerst die Ängste und Nöte der angehenden Musikerin, die sich nebenher von Kindheit und behütetem Elternhaus löste und mit Krankheit und Depression zunehmend allein konfrontiert war, kam nun das hinzu, was man Megastardom im Schnelldurchlauf nennen könnte. Nebenwirkungen eingeschlossen. Und davon gab und gibt es reichlich. Und weil sie den sehr offenen Umgang mit eben diesen Problemen quasi zu Kunstform erhoben hatte, ist diese Platte nun noch eine Spur dunkler, ist Billie Eilish zwangsläufig noch ernsthafter und auch verletzlicher geworden. Das klingt entsprechend. Die brüchige Stimme, die Nahbarkeit, der schonungslose Umgang vorrangig mit sich selbst, all das treibt sie auf „Happier Than Ever“ noch eine Spur weiter. Es ist die Unbeirrbarkeit, die verblüfft, die Respekt abnötigt, einen auch mal frösteln lässt. Welche Künstlerin macht sich schon derart angreifbar, geht vergleichsweise offensiv mit ihrem Körpergefühl, ihrer Weiblichkeit, ihren seelischen Enttäuschungen um wie Eilish bei „Not My Responsibility“, einer Art Spoken-Word-Performance, die schon, entsprechend visualisiert, auf ihren Konzerten für Erstaunen, Befremden, Bewunderung (je nach Standpunkt) sorgte.



Ebenso bemerkenswert: Ganz gegen alle Marktgesetze bietet das Doppelalbum keinen einzigen Hit, kein „Bad Guy“, ebenso wenig gibt es die branchenüblichen Kollaborationen zu hören (und sie könnte bestimmt reichlich davon bringen). Stattdessen bleibt es beim bewährten, gemeinsamen Songwriting mit Bruder Finneas. Zart gezupfte Akkustik hier, wuchtige, technoide Synthakkorde da, mal Bossa Nova, mal mit fettem Beat, mal ganz ohne, der Sound so wechselhaft wie ihre Stimmungen. Songs also vom Lieben und Entlieben, von den belastenden Erfahrungen als öffentliche Person („Getting Older“, „OverHeated“), wo Privates fast nicht mehr möglich ist („NDA“) und sich jede und jeder das Recht auf ein Bild und eine Meinung nimmt, nur man selbst diese besser verbergen sollte. Und dann die Mutmacher und Trostlieder, „My Future“ beispielsweise oder „Your Power“, die ein gewachsenes Selbstbewußtsein spüren lassen, das sich auch im grandiosen gegrölten Schlusschor des Titelsongs bahn bricht, gestärkt durch (siehe oben) eben jene Erfahrungen, die sie schneller als andere im Leben machen musste. Bei aller Inszenierung, die man ihrem Film vor einiger Zeit vorgeworfen hat, bei allen möglichen Marketingkniffs gewiefter Strategen, es kann nicht schaden, hier ab und an genauer hinzuhören, manchmal lernt man selbst in gesetzterem Alter noch etwas für’s Leben dazu.

19.06.  Frankfurt, Festhalle
21.06.  Köln, Lanxess Arena
30.06.  Berlin, Mercedes-Benz-Arena
02.07.  Zürich, Hallenstadion

Amyl And The Sniffers: Raus damit [Update]

Es gibt Menschen, denen kam und kommt der Lockdown im Zuge der Pandemie eher entgegen - Stubenhocker, Computernerds, Einzelgänger, Bindungsängstliche, es gibt so viele verschiedene Ausführungen davon, dass man mit dem Gendern kaum hinterherkommt. Fest steht dagegen, dass die wunderbare Amy Taylor nicht zu dieser Art von scheuen Zierpflanzen gehört - die Frau muss raus, und zwar laut. Ging aber nicht in den letzten Monaten, also wurde kräftig kollaboriert - mit den Viagra Boys ebenso wie mit den Sleaford Mods - und auch gleich das zweite Album von Amyl And The Sniffers aufgenommen. "Comfort To Me" soll nun am 10. September bei Rough Trade dem Debüt von 2019 folgen, die erste Single "Guided By Angels" hat schon mal alles, was die Australierin und ihre Band ausmacht, das Video dazu stammt von John Angus Stewart.

Update: "I'm not looking for trouble, I'm looking for love, I'm not looking for harm, I'm looking for love ..." - außen böses Mädchen, aber doch auf der Suche nach der Liebe. Amy Taylor tanzt im Clip zu ihrer neuen Single "Security" auf den Gräbern, einen schöneren Gegensatz zwischen alt (aka. gestorben und ohne Bedeutung) und jung plus wild kann es kaum geben!

Darkside: Auf den zweiten Blick

Darkside
„Spiral“
(Matador)

Manchmal lohnt es sich schon, genauer hinzuschauen. Wenn man das Cover des neuen, zweiten Albums von Nicolás Jaar und Dave Harrington nämlich nur flüchtig betrachtet, scheint es, als hätten sie die Glaskugel von „Psychic“, ihrem ersten gemeinsamen Werk, etwas arg vernachlässigt, so dass diese zwangsweise Moos ansetzen musste und mit der Zeit zuwucherte. Zum Glück taugt das allerdings weder als Analogie noch als Pointe, denn mit geschärftem Blick ist zu erkennen, dass das Wasser noch immer klar, das Grün frisch ist und es sich hier eben nicht um ein verwildertes Biotop, sondern um eine seitenverkehrte Spiegelung kraftvoller Natürlichkeit handelt. Wer daraus jetzt trotzdem ein Sinnbild ableite möchte – nun denn: Ein bloßer Aufguss der vorangegangenen Platte ist die neue also nicht geworden, wenngleich die Grundform erhalten geblieben ist. Jaar und Harrington haben dem Ganzen eine andere Färbung gegeben, und ja, es lohnt sich, nicht nur genau hinzuschauen, sondern auch hinzuhören. Denn was „Spiral“ bietet, ist Jamming als High-End-Performance.



Es bereitet also, auch wenn die aktuellen Tracks bis auf die Ausnahme „Liberty Bell“ nicht mehr ganz so catchy rüberkommen, ein großes Vergnügen, den Soundspielereien der beiden Herren zu lauschen. Harringtons psychedelische Soloeinlagen an der Gitarre gemahnen noch immer an die besseren Tage von David Gilmour bei Pink Floyd, sie sind störrischer, kantiger geworden, das tut dem Album gut. Das Disco-Flair, so es eines gab, ist fast gänzlich verschwunden, es dominieren ruhigere Töne, dunkler Space-Folk, Soundtrack-Kulissen, Prog-Rock-Anklänge. Garniert ist das alles mit einer Vielzahl von Geräuschen – meditative Klangschalen, verfremdete Bandansagen, knisterndes Voodoogeklapper, langweilig wird es in keiner Minute. Inhaltlich befassen sich die Songs vorzugsweise mit Tod, Vergänglichkeit, unserem oft doch recht nutzlosen Dasein auf dem Planeten, mancher Text wirkt fast alttestamentarisch dramatisch, da weiß man dann nicht ganz so genau, wie das nun gemeint sein soll. Geschenkt, eine runde Sache – Kugel hin, Kugel her – ist die Platte allemal.

Lice: Für Augen und Ohren

Und noch ein lohnenswerter Nachschlag: Die Band Lice aus Bristol hat Anfang des Jahres ihr Albumdebüt "WASTELAND: What Ails Our People Is Clear" veröffentlicht und nicht nur Joe Talbot von den Idles war voll des Lobes für das Punk-Quartett. Von ebenjener Platte stammt die Single "Persuader", die sie nun mit einem neuen Video unter Regie von Tasha Lizak an den Start bringen. Komplettiert wird das Ganze von "Mediator", einem etwas experimentellen Rework der A-Seite. Mit Punk hat das, so hört man schnell, nicht mehr viel zu tun, spannend ist es allemal.

Dry Cleaning: Einspielergebnisse

Wo gehobelt wird, da fallen Spähne - langbärtige Redewendung, allseits bekannt. Nicht ganz im Sinne dieses Spruches, aber trotzdem irgendwie in Reichweite: Wo ein derart feines Album wie "New Long Leg" von Dry Cleaning aus London entsteht, da gibt es reichlich Material im Dunstkreis der Produktion, das es nicht immer gleich auf die Platte schafft, gleichwohl aber kein schlechtes ist. So passiert mit den Songs "Bug Eggs" und "Tony Speaks!", beide im Rahmen der Hauptsession eingespielt und nun im Nachhinein via 4AD als Doppel-A-Single veröffentlicht. Der eine Song politisch, der andere eher emotional, die Gitarren hart, brüchig und mit viel Noise, die kühle Stimme von Florence Shaw eher rezitativ als singend - beide Stücke in jedem Falle worth to listen to.

Deadletter: Schlechte Träume

Die Jungs mit dem furchteinflößenden Namen aus London waren schon im vergangenen Jahr bei uns zu Gast, damals mit ihrer Debütsingle "Good Old Days" und dem nächsten Track "Fit For Work". Rein stimmungstechnisch hat sich bei Deadletter und Sänger Zac Lawrence nicht viel zum Besseren geändert, erzählt dieser uns doch im neuen Song "Monday Night Terrors" von einer Serie von Albträumen, die ihn eine Zeit lang stets in der Nacht von Montag auf Dienstag heimgesucht haben. Die Art von Träumen also, wo ein schreckliches Erlebnis auf das nächste folgt und man nie so genau weiß, ob das jetzt schon das wahre Leben oder noch die gruseligen Trugbilder der Fantasie sind. Tauschen möchte man da wahrlich nicht mit ihm, auch wenn die Musik wirklich gut klingt.

Fair Visions: Willkommene Welle

Rätselraten muss da nun wirklich nicht, ein Track, der so sehr den Geist des Synthpop der 80er feiert wie "Modern Kids" von Fair Visions, kommt einem selten unter. Macht er aber nicht schlecht - Ryan Work, der Mann aus Tennessee, der mittlerweile in New York lebt und dort seit 2017 an den Geräten schraubt. Nachdem zunächst drei Singles von ihm erschienen sind, gab es 2020 die Debüt-EP "A Way Out" zu hören, nun soll am 1. September die nächste 12" veröffentlicht werden. Der Titeltrack, an dem auch Studiokollaborateur Abe Seiferth mitgearbeitet hat, hier schon mal im Stream, die restlichen fünf Titel dann in Kürze. Allesamt New Wave, versteht sich, aber zur Abwechslung mal eine Welle, die man bereitwillig begrüßen möchte.

The Greeting Committee: Einfache Dinge

Da ließe sich wahrlich wieder viel hineininterpretieren, warum wohl eine Band ihr Album nach einer der durchschnittlichsten Pflanzen auf diesem Planeten benennt. Löwenzahn also - sieht hübsch aus, wächst überall, nervt einerseits mit der milchig-klebrigen Flüssigkeit, ist aber als Pusteblume das Wahrzeichen aller Romantiker*innen, die versonnen dem Flug der kleinen, flauschigen Schirmchen hinterherträumen. "Dandelion" auf englisch und eben auch der Name der zweiten Studioplatte von The Greeting Committee aus Kansas City. Das Quartett um die bezaubernde Sängerin Addie Sartino, seit 2014 zusammen und vor drei Jahren mit dem Debüt "This Is It" endgültig angekommen, hatte vor einigen Wochen ihre erste neue Single "Can I Leave Me Too?" veröffentlicht, der folgt nun "Float Away", diesmal mit knirschenden Gitarren zu zarter Stimme. Beide Stücke intime Selbstbetrachtungen, Ausdruck des Zweifelns, der Sehnsucht nach etwas Normalität in Zeiten, wo wenig Halt zu finden ist. Am 24. September dann das von Jennifer Decilveo und Dave Fridmann produzierte Album bei Harvest Records, das aktuelle Video wurde übrigens von Kezia Gabriella gezeichnet.

Bealby Point: Jungensding

Klassischer als hier geht es nicht: Vier Freunde aus dem kanadischen Vancouver, seit Urzeiten zusammen unterwegs, Pubs, Bikes, Parties, solche Sachen und natürlich am Strand abhängen. Irgendwann entschlossen sich Jack Armstrong (Gesang), Jordan Studer (Bass), Clayton Dewar (Gitarre) und Zack Yeager (Drums), gemeinsam Musik zu machen, der man ihre Vorliebe für die Eagles und The Strokes sehr deutlich anhört. Und weil Jungs nicht sonderlich kompliziert sind, benannten sie sich einfach nach einem ihrer Lieblingstreffpunkte im Landesinneren, dem Bealby Point, spielten zuerst die Single "I'm So Bummed Out Right Now" ein, gefolgt von "Telescope" und nun also "Talk To Me". Und wenigstens für das letzte Stück muss an dieser Stelle eine kleine Warnung ausgesprochen werden - man wird es so schnell nicht aus dem Kopf bekommen.

Le Pain: Charmant in den Sommer

Manchmal kommt es einem ganz gut zu passe, wenn die Musik für sich selbst spricht - denn bei Le Pain fehlt es noch ein wenig an den passenden Geschichten, um einen längeren Post aufzufüllen. Die vierköpfige Band besteht, soweit ist sicher, aus Mitgliedern von Public Practice und Yucky Duster zusammen, ursprünglichen kommen sie aus New York, sind aber mittlerweile in Los Angeles gelandet. Namentlich können wir zumindest Scott Rosenthal und Alan Everhart aufzählen, den weiblichen Part übernehmen die Geschwister Madeline und Olivia Babuka Black. Viel wichtiger als die Faktenlage ist aber ihre Debütsingle "Troisième Groupe", die dieser Tage bei Lucky Buckeye erschienen ist und so verdammt lässig und charmant daherkommt, dass alles andere - nun, das hatten wir ja gerade ... Sommerlied, französisch, mehr muss man nicht wissen.

alexalone: Gemeinsam getüftelt

Überaus Spannendes lässt sich aus der texanischen Bundeshauptstadt Austin vermelden. Dort nämlich werkelt mit Alex Peterson ein passionierter Klangkünstler schon seit mehreren Jahren am Sound seines Soloprojektes alexalone. Peterson, u.a. auch als Livemusiker bei Hovvdy und Lomelda aktiv, ist nicht nur ein kulturell vielseitig interessierter Mensch (seine Inspirationsquellen benennt er mit Tolkien, Murakami und diversen Zeichnern und Videodesignern), sondern auch ein versierter Tüftler mit einer Vorliebe für Werke von Boris, Low und Yo La Tengo. Wer sich in diesem Kosmos etwas auskennt, weiß, dass Zeit und Geduld unabdingbar sind, um das jeweilige Ergebnis zur vollendeten Entfaltung bringen zu können. Und natürlich helfen auch gleichgesinnte Musiker*innen und so hat er sich für die Aufnahme des ersten Albums "ALEXALONEWORLD" mit Drummer Sam Jordan und den Multiinstrumentalisten Mari Rubio und Andrew Hulett zusammengetan. Wenn man die vier bei der Interaktion sieht, hier beispielsweise im Video zu "Eavesdropper", kann erahnen, wie groß die Kraft ist, die von der Kapelle vor allem live erzeugt werden kann. Bleibt also zu hoffen, dass sich alexalone nach der Veröffentlichung des Debüts am 13. August recht bald zu einer Konzertreise entschließen können. Im Set dann mit Sicherheit dabei auch die anderen beiden Vorabsingles "Ruins" und "Electric Sickness".

Typical Girls: Typisch Schweden

Es wollte wohl kaum jemand bestreiten, dass den Schweden eine besondere Begabung zum Verfassen geschmeidiger Popsongs in die Wiege gelegt ist und man muss nicht mit Benny, Björn, Frida und Agneta kommen, um das zu untermauern. Für die Stadt Götheborg zum Beispiel reicht schon die Nennung dreier aktueller Bands wie Agent Blå, Makthaverskan und Westkust, um jedes Gegenargument verstummen zu lassen. Kein Wunder also, dass Typical Girls (wohl nach einem Lied von The Slits) aus ebenjener Stadt kommen, das Trio besteht aus Julia Bjernelind (Amateur Hour, Westkust), Hugo Randulv (Amateur Hour, Westkust, Enhet För Fri Musik, Makthaverskan) und Felix Skörvald (Agent Blå), womit wir ja alle zuvor Genannten wieder beisammen hätten. Wer im vergangenen Jahr ihre selbstbetitelte Debüt-EP und hier insbesondere den Song "Girl Like You" noch im Ohr hat, wird auch die Ankündigung einer neuen Single überschwänglich begrüßen. "Miata/Nice Boys" nennt sie sich und eines der beiden Stücke können wir heute schon anbieten. Die komplette 7" wird dann am 20. August bei Kanine Records erscheinen.

Lorde: Sommer, Sonne und Selbstermächtigung [Update]

Kleiner Exkurs zu Beginn, denn so sieht es aus - ein neuer Song von Lorde, ein neues Album next, aber die Welt diskutiert über das Coverbild. Wir vermuten: Vielleicht ist es ja im Subtext auch ein Stück weit die Art von Selbstbestimmung, die eine Billie Eilish als nächste Ausbaustufe erst kürzlich mit ihren Vogue-Aufnahmen gezündet hat: "My thing is that I can do whatever I want”, hatte die Amerikanerin dazu kommentiert. "It’s all about what makes you feel good. If you want to get surgery, go get surgery. If you want to wear a dress that somebody thinks that you look too big wearing, fuck it – if you feel like you look good, you look good." Und weiter: "Suddenly you’re a hypocrite if you want to show your skin, and you’re easy and you’re a slut and you’re a whore. If I am, then I’m proud. Me and all the girls are hoes, and fuck it, y’know? Let’s turn it around and be empowered in that. Showing your body and showing your skin – or not – should not take any respect away from you." Mach also, was dir gefällt, womit du dich wohlfühlst und gib einen Fick auf die Reaktionen - sieht ganz so aus, als hätte auch Lorde das verinnerlicht. Vier Jahre nach "Melodrama" erscheint nun jedenfalls am 20. Juni mit "Solar Power" die dritte Studioplatte der Neuseeländerin und wie der Name und das leicht esoterisch angehauchte Video zum Titelsong vermuten lassen, handelt es sich dabei um die Sommerplatte schlechthin. Eine Feier von Natur und Natürlichkeit soll es werden, good vibrations in der XXL-Packung. Mit dabei beim Happening Phoebe Bridgers und Clairo, an den Reglern Jack Antonoff.

Update: Bekifft im Nagelstudio, klingt eher nach RTL2, ist aber die nächste Single von Lorde und als solche natürlich mit reichlich Metaebene ausgestattet.

James Blake: Der Erfolg der Anderen

Und dann war da natürlich heute noch die Nachricht von einem neuen Album von James Blake. Okay, das Gerücht gab es schon länger, doch bis alle Fakten auf dem Tisch liegen, dauert es dann doch immer eine Zeit. Nun also: "Friends That Break Your Heart" folgt am 10. September der letzten Studioplatte "Assume Form" aus dem Jahr 2019 (wir erinnern und an Kollaborationen mit Travis Scott und Rosalía) und die erste Single "Say What You Will" kann schon mal mit einer witzigen Überraschung aufwarten. Neben Blake selbst tritt nämlich im Video Billie Eilishs Bruder Finneas auf und zwar als Superstar, der die Nase immer ein paar Meter weiter vorn hat als der zunehmend genervte Hauptdarsteller. Natürlich geht es hier im weitesten Sinne darum, sich so zu akzeptieren, wie man halt nun mal ist - die Mittel, dies zu erzählen, sind dann aber doch recht, naja, berufstypisch. Den Anfang singt Blake übrigens wieder einmal mit ungewohnt tiefer Stimme, die sich mehr und mehr höherschraubt und im vertrauten Falsett endet - unter den zwölf Stücken des Albums finden sich noch weitere Features, so u.a. Monica Martin und SZA. 

Midwife: Durch den Schmerz

Midwife
„Luminol“
(The Flenser)

Es ist ja nicht selten so, dass man als Zuhörerin oder Zuhörer ein Werk gänzlich anders wahrnimmt, als es konzipiert wurde, Sprachbilder werden verschieden gedeutet, die Musik trifft einen in komplett anderer Situation und persönliche Veranlagungen spielen sicher auch eine nicht unbedeutende Rolle. Im Gespräch hört man dann oft den überraschten Satz: „Echt? Das habe ich gar nicht so beabsichtigt...“ Eine Reaktion, die man von Madeline Johnston so wohl nicht hören wird. Denn die Frau, die sich hinter dem Pseudonym Midwife verbirgt, wird kaum etwas dagegen haben, wenn man ihre Songs als ungemein traurig bezeichnet. Sie selbst hat ja für ihre Art, Musik zu machen – sie tut das ungefähr seit 2017 – den Begriff „grief core“ geprägt, der ein gutes Bild dafür abgibt, was sie da im eigenen Studio zusammenmischt. Dabei dürften die wesentlichen Stilmittel beim Shoegazing und Dreampop liegen, verschränkt mit Elementen des Drone-Metal und Post-Rock. Das alles aber in einer mittlerweile sehr reduzierten, sorgsam geschichteten Struktur.

Nach „Like Author, Like Daughter“ (2017) und „Forever“ (2020) ist das vorliegende Album nun das dritte der mittlerweile in New Mexico beheimateten Künstlerin, neben einigen anderen Gästen waren an der Produktion diesmal auch Zachary Cole Smith, Ben Newman und Colin Caulfield beteiligt, die Herren wissen als Mitglieder von DIIV ebenso genau, wie man eher sperrige Sounds mit großen Popmelodien verschneidet und zum Klingen bringt. Und auch wenn es hier nur ganze sechs Titel sind, sie halten alle ihre großartigen Momente bereit. Schon der Opener „God Is A Cop“, laut Johnston unter den Eindrücken des Mordes an George Floyd geschrieben, bringt allein mit Piano und Gesang eine Tragik und Niedergeschlagenheit zum Schwingen, die eben nicht mehr braucht – nicht mehr als die mantraartig wiederholten Worte „I can't kill the evil thought“, nicht mehr als die sparsam gesetzten, ebenfalls repetitiven Töne.



Das ist Johnstons große Stärke, sie beschränkt sich in Text und Ton auf das Wesentliche, weiß aber, wo sie nachdrücklich, auch mal laut werden muss. Die Folge ist eine Art Malstrom, der einen, wieder und wieder von Song zu Song, in die Tiefe zieht. Da sind die trägen, dröhnenden Gitarren bei „Enemy“ und die Zeilen „My body is against me, my body wants to kill me, my body is an army, my body's out to get me…“ oder die klanggewordene Tristesse von „2020“, die einen dennoch voll erwischt und nicht mehr loslassen will. „Colorado“ bringt die Klage über die Einsamkeit und Verlorenheit (die Gitarren nur mehr angedeutet, die Stimmung fast schon meditativ), „Promise Ring“ dann mit der bitteren Erkenntnis, dass Liebe nicht nur für Hochgefühl sorgt, sondern auch die Herzen bricht – nicht neu, aber sehr minimalistisch übersetzt und deshalb anrührend.



Woher die Trauer, möchte man da fragen. Vielleicht hilft es zu wissen, dass Johnston vor Jahren einen sehr engen Freund durch Selbstmord verloren hat und mit diesem Verlust noch immer zu kämpfen hat. Vielleicht ist sie aber auch einfach ein Mensch, die unbequeme Wahrheiten erforscht, auch wenn sie ihr Schmerzen zufügen können. In diesem Sinne lässt sich auch der Titel des Albums verstehen: Luminol ist ein Mittel, das in der Kriminaltechnik verwendet wird, um kleinste Blutspuren am Tatort nachweisen zu können, entsprechende Verweise tauchen immer auch in den aktuellen Videos von Alana Wool auf. Ganz zum Schluss tagträumt sich Johnston im Übrigen in das wohl berühmteste Gemälde des amerikanischen Malers Andrew Wyeth „Christina’s World“, allein zwar, aber auch auf der Suche und bereit für Neues. Gut möglich, dass sie am Ende doch noch Trost und Hoffnung gefunden hat.

Low: Das richtige Gespür [Update]

Das amerikanische Indie-Trio Low gehört seit jeher zu den Bands, denen man einen Pakt mit dem Teufel unterstellen möchte, so makellos ist ihr Gesamtwerk, so unfehlbar ihr Gespür für punktgenaues Songwriting. Im Jahr 2018 feierten Alan Sparhawk, Mimi Parker und Steve Garrington mit dem Album "Double Negative" ihr Fünfundzewanzigjähriges, nun kommt am 10. September via Sub Pop mit "HEY WHAT" die nächste Studioplatte. Produziert hat laut Brooklyn Vegan wieder BJ Burton, die erste Single "Days Like These" kommt mit einem beeindruckenden, erzählerischen Video von Karlos Rene Ayala, der nicht zum ersten Mal für die drei die Regie übernahm.

03.05.  Köln, Kulturkirche
09.05.  Hamburg, Uebel und Gefährlich
10.05.  Berlin, Festsaal Kreuzberg
11.05.  Wien, Wuk
13.05.  Lausanne, Les Docks
14.05.  Zürich, Mascotte

Update: Und auch der zweite Vorabsong hat es in sich. Der Sound ist einmal mehr ungewöhnlich dronig, bei voller Lautstärke kommt hier alles wunderbar ans Vibrieren. Das Video zu "Disappearing" hat der Musiker und Künstler Dorian Wood gedreht, seine bemerkenswerte Performance als Model entspringt im Übrigen nicht nur seiner Inspiration - Wood hat während der Pandemie öfters solche Jobs angenommen. Seine Gedanken und Empfindungen dazu lesen sich im Auszug wie folgt: "... During these long stretches of time, I'd lose myself in thought while delivering poses that best showcased all this fat brown beauty. In my mind, I traveled to places and memories, and in the case of "Disappearing", I not only visited the ocean in my mind, I became it. Even at its most empowering and meditative, a modeling session was often a reminder of how lonely one can feel when the other humans in the room immediately vanish once the laptop shuts down. And still, a semblance of hope always lingered..."

GIRLWOMAN: Das Leben dazwischen

Und wieder so eine kleine, hübsche Kausalkette: Am Wochenende nach langer Zeit mal wieder die Romanverfilmung "Als wir träumten" von Andreas Dresen angeschaut (Buch: Clemens Meyer) und sich bestätigt gefühlt, dass kaum ein anderer den Trotz und die Wehmut beim Abschied von der jugendlichen Unbedarftheit so schön und eindrücklich übersetzt hat (die Zeit des gesellschaftlichen Umbruchs sowieso). Zentraler Song, um die euphorische Rückschau, die Liebe, die Wut und die Haltlosigkeit auszudrücken, ist hier "A New Error" von Moderat, ein Stück für die Ewigkeit. Und dann liest man die Biografie von GIRLWOMAN, dem neuen, funkelnden Stern am ohnehin schon ziemlich reich illuminierten Himmel von Staatsakt, und dabei macht es hier und da eben Klick. Zuerst, weil Moderat neben den Dirty Projectors und Anohni zu den musikalischen Vorlieben der jungen Künstlerin aus Bielefeld zählt (und man das auch deutlich hört). Desweiteren entdeckt man Parallelen, wenn es um die Thematik ihres Debütalbums "Das große Ganze" geht, welches sie dieser Tage ankündigt: "Ab morgen ist alles anders" wird ein Stück darauf heißen, ein anderes "Tick Tack Trauma" und man darf annehmen, dass auch GIRLWOMAN dabei ist, sich ein Stück weit zu verabschieden von Kindheit und Jugend. Obwohl, liest man dann wiederum die Sätze zur Bedeutung ihres Pseudonyms, dann geschieht das, wenn überhaupt, nur sehr wiederwillig: "Wir haben als Kind gelernt, dass wir irgendwann einmal erwachsen sein werden und das dann vieles anders sein wird. Du kannst Kind sein oder du kannst erwachsen sein. Irgendwann wird es in deiner Biografie diesen harten Cut geben, an dem du das eine bist - und das andere nicht mehr. Aber so ist es doch in Wahrheit nicht! Du bleibst immer auch das Kind, das du warst. Und je mehr du versuchst, das Kind in dir zu unterdrücken, desto unglücklicher wirst du auf lange Sicht werden. Ich habe jedenfalls keine Lust, mich in einen dieser zwei starren Zustände einzusortieren zu lassen, sondern möchte mich fortwährend ändern UND gleich bleiben - mal mehr als Kind und mal mehr als Erwachsene." Dreizehn Songs jedenfalls werden auf der Platte, die am 5. November erscheint, Platz finden, neben den bislang bekannten Singles "Fata Morgana", "Rote Riesen schlafen nicht" und besagtem "Tick Tack Trauma" dann auch eine neue mit dem Titel "Die Nacht". Aufgenommen wurde diese wieder gemeinsam mit Produzent Rasmus Exner, den Regisseur Markus S Fiedler auch gleich im Video verewigt hat.

Caroline Polachek: Sich selbst genug

Bei vielen Musiker*innen läuft es eigentlich anders herum: Jahrelang in einer Band gespielt, großen Erfolg gehabt, irgendwann neue Herausforderung gesucht - Solokarriere. Und doch immer die Frage: Wann machst Du denn mal wieder was mit Band X oder Y? Frustrierend kann das sein, wenn die eigene Kreativität immer an die komplette Gruppe gekoppelt scheint und niemand sich die Mühe macht, auch das Eigenständige zu entdecken. Wie gesagt, keine Sorge, die sich Caroline Polachek machen muss. Schon klar, hat mal bei Chairlift gesungen und war dort nicht wenig erfolgreich. Seit allerdings ihr fabelhaftes Solodebüt "PANG" vor zwei Jahren erschien, ist das gar nicht mehr so interessant, denn diese Frau ist sich selbst mehr als genug. Ob unter ihren anderen Psedonymen Ramona Lisa oder CEP, ob mit feinen Remixen oder Coverversionen unterwegs, sie macht ihre Vergangenheit mehr und mehr vergessen. Und deshalb ist es eine sehr gute Nachricht, dass nun eine neue Single draußen ist - "Bunny Is A Rider" hat das Zeug zum echten Radiohit, mehr kann man eigentlich nicht wollen. Obwohl, ein weiteres Album wäre dann doch nicht so ganz verkehrt.

Voodoo Beach: Naturgewalt

Kindern jagen Stürme Angst ein. Das ist so, sie kennen es nicht und es beunruhigt sie. Später ändert sich das, es gibt viele Menschen, die erleben Unwetter, Gewitter, Donner, Blitze und Schlimmeres (sofern sie nicht ihr persönliches Hab und Gut betreffen) als faszinierende Urkräfte, mit denen die Natur uns zeigen will, wer letztendlich das Sagen hat. Nicht der Mensch, das ist soweit klar. Gerade hat Hendrik Otremba, der Sänger der Münsteraner Post-Punk-Band Messer, einen schönen Text über Stürme geschrieben. Also eigentlich über die Berliner Band Voodoo Beach, aber weil die eben so allumfassend, gewaltig und zerrüttend über uns Hörerinnen und Hörer kommen, liegt der Vergleich nahe. Ein Auszug: "Ein Sturm zieht auf, und die groben Holzstücke glimmen immer stärker, bis sich die Flammen auf den weitgereisten Oberflächen entzünden. Während die Wellen heftiger werden, der Sand aufwirbelt, die Flammen und Funken der Dunkelheit nun lodernd die Stirn bieten, kommen von der Straße drei Gestalten auf den Lichtkreis zugeschritten. Sie scheinen den Sturm mitzubringen, vor dem sogar die Krebse flüchten. Zwei Frauen und ein Mann, sie setzen sich auf den Boden, verteilen sich symmetrisch ums Feuer, in dem sich ihre Verbindungslinien kreuzen und dessen Flammen im Auge des Sturms ganz ruhig werden – als hörten sie auf die Gesetze einer außerirdischen Natur, während der nun wütende Wind bereits die angrenzenden Strandhütten verwüstet, Palmen abknickt, die Boote losmacht ..." Seit 2017, ursprünglich gestartet als Quartett in anderer Zusammensetzung und der EP "Ozean", zelebrieren Voodoo Beach eine sehr schroffe, eindringliche Variante des Noise-Rock, Stand jetzt am Schlagzeug Josephine Oleak, Gitarre John-H. Karsten und dazu der rostige Gesang von Heike Rädeker. Und weil der wiederum an Nina Walser von der Münchner Formation Freinds Of Gas erinnert, lassen sich auch die restlichen Parallelen zu den Gewalt, Die Nerven oder Culk schnell ziehen. Gerade haben die drei mit "Die Hand" eine neue Single bei Späti Palace veröffentlicht, nachdem dort schon früher im Jahr "Anders sein", ebenfalls produziert von Dennis Juengel (Gewalt, Oracles, Heads.), erschienen war. Das Video wiederum stammt von Marcus Wojatschke, dem Haus- und Hofregisseur von Die Kerzen aus Ludwigslust. Später im Jahr soll dann endlich das Debütalbum erscheinen, keine Frage, dass wir alle notwendigen Informationen, sobald vorhanden, nachreichen.

30.07.  Berlin, Astra Kulturhaus Garten w/ Lucy Kruger And The Lost Boys & A.S. Fanning

06.08.  Leipzig, Sommerbühne am Panometer w/ Die Kerzen & John Moods

03.-05.09.  Dresden, The Sound of Bronkow Music Festival

Snapped Ankles: Keine Angst vor lauten Bäumen

Snapped Ankles
„The Forest Of Your Problems“
(The Leaf Label)

Die Sache mit den Masken hat ja, sieht man einmal von der klassischen Musik ab, auch im Rock und Pop der Neuzeit eine längere Tradition. Anfang der Siebziger beispielsweise traten The Residents auf den Plan und versteckten ihre Köpfe in riesigen Augäpfeln, kurze Zeit später gaben Paul Stanley und Gene Simmons unter dem Namen KISS ihre ersten Konzerte mit comichaft bemalten Gesichtern und wollten fortan nicht mehr ohne Schminke. Slipknot, Lordi, GWAR und Ghost hier, Daft Punk und Marshmellow dort, irgendwo zwischen den Stühlen die Blue Man Group und über allem lange Zeit das größte aller Chamäleons David Bowie. Die Gründe für die Verkleidungen so vielfältig wie die Kostüme selbst und immer und zu allen Zeiten sorgten und sorgen sie – denken wir nur an die ersten Konzerte der Gorillaz hinter überdimensionalen Bettlaken – für reichlich Gesprächsstoff. So wie letztere mit durchaus ernsthafter Absicht die Beliebigkeit der Popkultur anprangern wollten, hat auch die Londoner Post-Punk-Kapelle Snapped Ankles Gründe für den Griff zum Tarnanzug. Einerseits beeinflusst von der Mythologie und dem Kult um Monster, Wahrsager und Propheten, scheuen sie gleichzeitig nicht eine gewisse Lächerlichkeit, wenn sie mit Grashaufen und Baumrinden bewährt über die Bühne springen.



Auf der Website der Band findet sich noch immer ein sehr lesenswertes Interview mit dem Netzportal The Quietus aus dem Jahr 2017, das wenig Erhellendes, dafür aber viel Unterhaltsames über 'Die Gebrochenen Gelenke' bereithält. Manche Wahrheiten sind so treffend und schön, dass man sie nur zitieren und nicht neu erfinden muss: "There is rebellion in the daftness and obscurity, and The Snapped Ankles are but a celebration of the necessity of the weird", steht da beispielsweise geschrieben und weiter: "They're dressing up as trees but not being dicks about it." Musikalisch bewegt sich das Quartett, dessen Wurzeln in die Zeit der Londoner Warehouse-Parties zurückreichen, auch mit dem dritten offiziellen Studioalbum noch immer auf sehr holprigem, bunt gemusterten Parkett. Neben Post-Punk, Big Beat, Techno und Elektro finden sich hier auch wieder Bezüge zu Jazz und Krautrock.



"The Forest Of Your Problems" ist dann ihre wohl "hörbarste" Platte geworden und dennoch immer noch herrlich verschroben – getrieben von funkigem Beatgewitter und äußerst perkussiv hetzen die zehn Tracks in verschiedenen Beschleunigungsstufen durch das Programm. Allen voran exemplarisch "Rhythm Is Our Business": "I‘m not a politician, I’m a businessman. And it’s time to get down to the business!" Das Geschäftsmodell wird in besagtem Interview auch noch einmal erläutert: "Now that my nephew can make orchestral techno on his iPhone or whatever and a guitar isn't a 'dangerous' instrument anymore we were just trying to explore how we can make our own sounds and what could be our weapons to make things more interesting." Auch inhaltlich ist die Marschrichtung klar – pro ökologische Nachhaltigkeit und Balance, contra Kapitalismus und mutwillige Zerstörung. Auf die Spitze getrieben im Track „Xylophobia“, einem sarkastischen Kommentar über die psychotische Angst vor dem Wald und allem, was uns dessen Erhalt an persönlichen Einschränkungen abverlangt. Klar, dass in diesem Licht die irren Kostüme einmal mehr tieferen Sinn ergeben. Es wird mal wieder Zeit, ein paar Bäume umarmen zu gehen.

Odd Morris: Nur aufgeschoben

Okay, das ist jetzt aber wirklich mal etwas düsterer, hier findet man nicht viele stimmungsaufhellende Momente: Die irische Band Odd Morris hatten wir im Sommer des vergangenen Jahres schon mal auf dem Schirm, damals noch mit der Vermutung, dass sie wohl bald durchstarten würden, wenn nicht die Pandemie ... Nun, der Konjunktiv war bekanntlich angebracht, denn natürlich kam es schlimmer und deshalb ist die Karriere des Quartetts aus Dublin für's Erste auch mal ins Stocken geraten. In dem Falle aber definitiv nur aufgeschoben, denn das Potential war und ist ja da, sie brauchen nur ein paar Shows und Veröffentlichungen, damit es losgehen kann. Letzteres könnte mit der Debüt-EP "Cityscape The Ballet" klappen, die für die nächste Zeit angekündigt ist, die neue Single "The Once Was Enough" ist heute schon da. Und wer sich damals dem Zauber von "Your Four Walls" nicht entziehen konnte, wird sicher auch bei diesem Song hängenbleiben.

Colver: Verdammt entspannt

Wo wir gerade bei geschmeidigem Indiepop sind, können wir mit Colver gleich noch eine weitere Debütantenkapelle erwähnen. Gäste aus Belgien, hier Brüssel, haben wir hier ja nicht ganz so häufig, bei den vier Jungs allerdings lohnt sicht die Einladung, denn "Doing It Wrong", ihre aktuelle Single, kommt so unverschämt locker daher, dass man gar nicht vermuten möchte, dass die Band demnächst tatsächlich ihre erste EP "Walk Swim Fly" veröffentlichen wird - sie klingen definitiv nach mehr. Ein paar ältere Stücke findet man natürlich schon von dem Quartett, wenn man etwas sucht, ähnlich locker, ähnlich groovy, stellvertretend hier "Some More Wine" und "Thinking Out Loud". Das Video zum Neuling hat übrigens Drummer Hugo Larisch gedreht, eine Tanzperformance als Spiegelbild menschlichen Befindens im Hier und Jetzt.

Fake Turins: Kollektive Nervosität

Scheint wohl der Tag der Tanzmusik zu sein, denn auch bei folgender Kapelle fällt es überaus schwer, die Beine ruhig zu halten: Die Fake Turins, ein zehnköpfiges Kollektiv aus dem Londoner Norden, kommen dabei eher vom Jazz, ihr Sound schwappt aber auch ganz gern mal in Richtung Elektronik, Post-Punk - und Dancepop sowieso. In diesem Jahr erschien zunächst die wunderbare Single "Evergrown", gefolgt von "Down!", dessen nervös pumpender Sound sehr stark an James Murphy und sein LCD Soundsystem wie auch The Fall mit Mark E. Smith erinnert. Letzteres stammt, wie auch die neue Single "Talking Prophets", von der via Hideous Mink Records für den 23. Juli angekündigten EP "Time Flowers Now".

Cliché Cult: Gut beleuchtet

Optik und Klang gehen nicht zwingend Hand in Hand und in Fällen wie diesem ist das gar keine schlechte Sache. Das Bandfoto von Cliché Cult aus Leeds lässt vermuten, dass hier vier grüblerische junge Herren am Werk sind, deren Leben sich vornehmlich im Dämmerlicht abspielt. Hört man sich aber ihre erste Single "Common Ground" aus dem vergangenen Jahr an, dann ahnt man, dass Jimmy Sweeney (Gesang/Gitarre), Robin Green (Schlagzeug), Jake Clayton (Gitarre) und Jimmy Ingham am Bass dem Tanzen zumindest nicht ganz abgeneigt gegenüberstehen. Und das ist ja dann schon mal was. Ihr aktueller Song "Talking" ist dann ebenfalls gut gemachter Indiepop und wenn man weiß, dass zu ihren Lieblingskünstlern Leute wie die Arctic Monkeys, Jarvis Cocker und David Bowie gehören, muss einem gar nicht bange sein - sie werden ihren Weg gehen und er wird gut beleuchtet sein.

Azealia Banks: Programmgestaltung

Man mag von ihr halten was man will und mit ihren Äußerungen zum glücklicherweise demissionierten Domald Trump ist ihre Anhängerschar sicher nicht unbedingt gewachsen. Was Musik angeht, ist Azealia Banks aber immer noch unbestritten erstklassig. Und das gilt auch und besonders für ihren neuesten Track. Wer sich noch an den House-Banger "Short Dick Man" von 20 Fingers feat. Gilette aus dem Jahr 1995 erinnern kann, die/der ist auch bei "Fuck Him All Night" auf Linie - Banks formuliert hier unmissverständlich ihre Präferenzen zur nächtlichen Programmgestaltung, geholfen hat ihr dabei der New Yorker House-Produzent Gulcher Lustwerk. Und wir lassen das Ganze (Kanye hin oder her) einfach mal für sich stehen...

Von Wegen Lisbeth: Irgendwas mit Medien [Update]

Okay, je nach Gusto sieht Matthias Rohde jetzt aus wie eine verwilderte Frühversion von Maurice Ernst oder eine sympathische von Boris Johnson, blondierter Bop, so what. Dass seine Band Von Wegen Lisbeth endlich wieder neues Liedgut anzubieten hat, ist sehr erfreulich und sicher auch dem Umstand geschuldet, dass das Quintett aus Berlin plant, ab Juli eine nicht unbeträchtliche Anzahl von Kleinstkonzerten, Codename Picknick, zu spielen. Und da macht es sich natürlich gut, wenn die gierige Meute der Auserwählten auch Frischware zu hören bekommt. Und die heißt seit heute offiziell "L.OST" und "Podcast", zwei sehr feine Songs - einer darüber, wie man in der Berliner Pampa verlustig gehen kann, der andere als Klage an überambitionierte Nervbacken mit Beratungsresistenz in Sachen "was mit Medien".

Update: Nun hat also auch der "Podcast" seinen Clip, schön umgesetzt von Simone Cihlar und Adrian Térzic - aktuelle Tourdaten als Picknick-Konzerte und coronakonforme Open-Airs nachfolgend...

16.07.  Köln-Weidenpesch, Galopprennbahn (2 Shows)
17.07.  Dortmund, Juicy Beats Parksessions
22.07.  Rostock, IGA Park
23.07.  Erfurt, Zoopark Festwiese
24.07.  Erlangen, Kulturinsel Wöhrmühle (2 Shows)
25.07.  Leipzig, Agra Messepark
30.07.-01.08.  Dangast, Watt En Schlick Festival
14.08.  Potsdam, Waschhaus Open Air
19.08.  St. Pölten, Frequency Festival
21.08.  Münster, Parkwiese am Allwetterzoo (2 Shows)
22.08.  Bonn, Kulturgarten
26.08.  Mannheim, 5. Zeltfestival Rhein-Neckar
27.08.  Konstanz, Bodenseestation (2 Shows)
28.08.  Wiesbaden, Schlachthof (2 Shows)
29.08.  Hamburg, Uferpark Wilhelmsburg
01.09.  Bad Zwischenahn, Musik auf Lücke, Park der Gärten
02.09.  Hannover, Gilde Parkbühne, Back On Stage
03.09.  Magdeburg, Elbauenpark
05.09.  Berlin, Marienpark (2 Shows)

Power Plush: Anders als vermutet

Foto: Daniel Franzk

Hand auf's hungrige Herz, wer hätte diesen Sound in Chemnitz verortet? Der Stadt also, die zwar für das Jahr 2025 als europäische Kulturhauptstadt firmieren wird, ihren Bekanntheitsgrad und Charme aber aus einem überdimensionalen, bronzenen Kommunistenschädel, dem damit verbundenen (durchaus umstrittenen) Ostimage und der Nähe zum beschaulichen Erzgebirge bezieht? Wo bitte wären wir bloß ohne unserer Vorurteile! Der Umstand, dass das ehemalige Karl-Marx-Stadt schon zu Zeiten der längst verblichenen DDR eine recht lebendige Kulturszene vorzuweisen hatte, wird gern verschwiegen, weil es schwerlich ins Bild der recht stiefmütterlich behandelten Bezirksstadt passt/e. Als aktuelles Beispiel dafür dürfen tatsächlich die biografischen Verzweigungen der Familie Kummer herhalten, die aus der Vergangenheit bis hinein in die Gegenwart reichen und mit Namen wie Ina und Jan Kummer aus der Urbesetzung der AG Geige und den Nachkömmlingen Lotta, Nina und Felix Kummer und also mit Bands wie Blond und Kraftklub verbunden sind. Dass der Sound der Stadt durchaus ein vielschichtiger ist, beweisen hier nun also Power Plush, namentlich Maria Costantino, Anja Jurleit, Svenja Schwalm und Nino Cutino. Drei Singles sind von dem Quartett im vergangenen Jahr erschienen und schon bei denen war man eher in Skandinavien bei Hater oder dem England von Fear Of Men, in Kanada mit Men I Trust oder gleich im New York von The Pains Of Being Pure At Heart. Heute nun also der neue Song "Smth Cool", ebenso bezaubernd und mit einem Vintage-Video versehen, das dem Genre Dreampop alle Ehre erweist.

Little Simz: An Tagen wie diesem [Update]

Es würde einen wundern, wären dieser Clip, dieser Song, diese Meldung nicht bewusst an diesem Tag online gegangen, zu gut passt alles zur Nachrichtenlage: "I'm a black woman and I'm a proud one, we walk in blind faith not knowing the outcome, but as long as we unified then we've already won" reimt die Londoner Grime-Rapperin Little Simz also in ihrem neuesten Track "Introvert" just in dem Moment, da der Urteilsspruch über den Mörder des schwarzen George Floyd über alle Bildschirme flimmert. Gut so. Der Hintergrund zur Veröffentlichung ist schnell erzählt - die Künstlerin hat mit dem Song den Nachfolger ihres furiosen Debüts "Grey Area" und der ebenso fabelhaften EP "Drop 6" bekanntgegeben, der unter dem Namen "Sometimes I Might Be Introvert" am 3. September bei Age 101 erscheinen soll. Das Video zur Auskopplung hat im Übrigen Salomon Ligthelm gedreht, der neben zahlreichen Werbefilmen auch Clip für die Young Fathers, The Weeknd und Daughter im Portfolio zu stehen hat.

Update: Gestern das LineUp für die 22er Runde von Rock am Ring gesehen, heute das neue Video von Little Limz und ihrer Single "Woman" gesehen - viel größer könnten die Gegensätze nicht sein. And which side are you on? ... Und hier noch Singleauskopplungen Nummer drei "Rollin Stone" und vier "I Love You, I Hate You", zuzüglich einiger Livedaten.

17.01.  Hamburg, Uebel und Gefährlich
18.01.  Berlin, Huxley's Neue Welt

23.01.  Frankfurt, Zoom
31.01.  München, Muffathalle
01.02.  Wien, Arena

Dave: Gegensatzpaar [Update]

Fast genau vor zwei Jahren kam der Erstling des jungen Londoner Rappers Dave Santan "Psychodrama" heraus und machte ihn in Nullkommanix und mit Recht zum Star - Grime war gerade sehr angesagt und Santan einer der ambitioniertesten Debütanten. Nachdem er mit diesem Album den renomierten Mercury-Prize gewonnen hat, kommt nun endlich Neuware ins Regal und zwar gleich zwei Tracks. "Titanium" und "Mercury" geben dabei ein gutes Gegensatzpaar ab, schroff und hart der eine, weich und soulful und unter Mithilfe von Kamal der andere Song.Eine Auskunft darüber, ob den Veröffentlichungen bald eine weitere Studioplatte folgt, ist er uns aber einstweilen noch schuldig geblieben.

Update: Den letzten Halbsatz können wir jetzt zumindest streichen - das neue Album wird "Wer're All Alone In This Together" heißen und schon am 23. Juli erscheinen (Coverart siehe unten). Und die nächste Single "Clash" gibt es mit Video und Featuring von Stromzy.

Billie Eilish: Bitte Abstand halten [Update]

Kann ja gar nicht schaden, wenn wir hier schon mal so eine Art Platzhalter anlegen, bevor der Sturm losbricht: Gerade nämlich hat die schwerstverehrte Billie Eilish mit einem fünfzehnsekündigen Clip und gerade mal elf Worten für ein ordentliches Durcheinander gesorgt - knapp vier Millionen Klicks und ebensoviele Hyperventilationen. Klar ist soweit - am 30. Juli diesen Jahres kommt das lang ersehnte zweite Album der Kalifornierin und es wird genauso heißen wie die Textzeile, die gerade wie wild im Netz rotiert, "Happier Than Ever". Eine Ankündigung, die kein Stück zu früh kommt, hatten sich doch schon einige gefragt, ob denn außer dem formidablen Debütalbum "When We Fall Asleep, Where Do We Go?", einem leidlich überraschenden Bondsong, ein paar feinen Kollaborationen und dem Biopic "The World's A Little Blurry" noch etwas zu erwarten ist von der Senkrechtstarterin. Alle Sorge umsonst also, die Medienmaschine läuft an und in den nächsten Tagen werden wir an dieser Stelle sicherlich mehr liefern können als den Miniteaser.

Update: Und das ist er dann, der erste Song - "Your Power", das Video mit der Schlange ist in Eigenregie entstanden ... Gefolgt von Single Nummer zwei "Lost Cause". Bei der dritten "NDA" wird es dann doch ziemlich düster, hier kommt alles zusammen, was der Superstardom an negativen Dingen mit sich bringt, für das Leben, die Beziehungen und Freundschaften. Die Idee zum Video stammt von Billie Eilish selbst.