Mittwoch, 9. März 2016
Bleached: Wurmfortsatz
Dienstag, 8. März 2016
Balloon Pilot: Verbeulte Menschen
„Eleven Crooked Themes“
(Millaphon)
Abschließen wollen wir den innerdeutschen Thementag nach Hardcore Nord und Noisewave West mit ein großen Portion Wohlklang aus dem Süden. Die Münchner Band Balloon Pilot brachte vor vier Jahren mit dem gleichnamigen Debüt eine Platte heraus, die sofort zu Herzen ging – die anschmiegsamen, zarten Folksongs, die Sänger Matze Brustmann mit seinen Bandkollegen damals vorlegte, waren vom Start weg von erlesener Qualität und selbst wenn das Quintett den behutsamen Neofolk vom Pop zum Rock führte, gelang ihnen dies überzeugend und angenehm unaufdringlich. Nun ist das viele Lob über Gefälligkeit und Harmonie den Herren, interpretiert man Titel und Texte des neuen Werkes richtig, nicht immer nur die reine Freude, Balloon Pilot wollen beileibe kein einschläferndes Eiapoeia für kontaktarme Couchpotatoes liefern – Unterschiedlichkeit, Ecken und Kanten, Unberechenbarkeit, auch das soll eine Rolle spielen in ihrer Musik. „Crooked Things“ eben. Und wenn Brustmann gleich nach dem so sanftmütigen wie wunderbaren Opener „42 Seems Right“ im ersten Rocksong „When The Planets Collide“ davon singt, dass er nicht immer nur artig lächeln werde, wenn ihm der Sinn danach nicht steht, dass Menschen eben verbeult, hintergründig und sprunghaft sind und sein müssen, dann ist das für seine Verhältnisse eine recht deutliche Absage an gern gepflegte Konventionen und Erwartungshaltungen.
Der Sound der Band wird deshalb kein ungestümer werden, es mischen sich nur ein paar neue, gern – wie beim feinen „Golden Leaves“ – auch mal schiefe Töne ins herbstfarbene Pastell. Kleine Spannungsverhältnisse einzubauen, darum geht es den fünfen, sie müssen also nicht unbedingt poltern, um Unbehagen oder Enttäuschung zu vermitteln. Die Handreichung, eine oft schwierige, manchmal zwiespältige Geste an den Gegenüber, in „Handshakes“ wird sie in aller Ruhe beschrieben und trotzdem schwingen hier zu einer hübschen elektrischen Gitarrenspur noch Unsicherheit und Ironie mit. Auch bei „Nothing But Air“ geht es um Unmut, um Wut vielleicht, die man dem anderen ins Gesicht schreien möchte – es bleibt dennoch verhalten und ruhig, man fährt mit angezogener Handbremse und erzeugt deshalb nicht weniger Reibung. Neben den klassischen Piano- und Streicherparts haben Balloon Pilot für einige Stücke jetzt auch Bläserblech ins Repertoire genommen, Mathias Götz muss man hier in einem ohnehin hochklassigen Klangkollektiv als belebendes Element und Multiinstrumentalisten (Trombone/Piano/Percussion) herausstellen, ebenso wie den schönen Cellopart von Fanny Kammerlander im Eröffnungsstück. Am Ende ist das Album noch einmal ein deutlicher Schritt nach vorn, ausgewogener und zugleich facettenreicher als der Vorgänger – wenn es nicht so abgedroschen klänge, man sollte es ein kleines Kunstwerk nennen (dürfen). http://www.balloon-pilot.de/
09.03. Amberg, Luftmuseum
11.03. Schongau, Brauhaus
16.03. Passau, Café Museum
Fluffy Floor: Nicht auszurechnen
Leoniden: Hardcore mit Kopfstimme
11.04. Köln, Zum Scheuen Reh
12.04. Berlin, Musik und Frieden
13.04. Hamburg, Molotow Skybar
Montag, 7. März 2016
The Smashing Pumpkins: Versöhnungsgesten
Mi von Ahn: Schon besser
Freitag, 4. März 2016
Jarbird: Housekeeping
Poliça: In der Balance
„United Crushers“
(Memphis Industries)
Man wird jetzt wieder viel darüber lesen, wie unglaublich erstaunlich es doch sei, dass eine so kleine und zarte Person wie Channy Leaneagh so beharrlich wie unerschrocken innenpolitische Misstände und globales Unrecht anprangert. Warum, möchte man den unermüdlichen Klischeepflegern zurufen, sollte einen das denn bitteschön verblüffen? Wirft es nichtvielmehr ein trauriges Licht auf eine Gesellschaft, die sich offenbar von bewusster Einmischung und unbequemer Nachfrage irritieren und herausfordern läßt? Die Amerikanerin ist zweifache, alleinerziehende Mutter, die zunächst einmal mit wachen Augen durchs Leben geht und es sich zur Aufgabe gemacht hat, die großen wie auch die kleinen Dinge gewissenhaft (und das meint hier auch: mit humanitärem Gewissen) für sich zu dokumentieren. Flüchtlingselend und Armutsgefälle gehen an ihr als Künstlerin ebensowenig spurlos vorüber wie alltäglicher Rassismus und die anhaltende Unterdrückung von Frauen, zudem droht in ihrem Land ein islamophober und menschenverachtender Clown wie Donald Trump an verantwortungsvolle politische Ämter zu gelangen – was Wunder, dass sie von ihrer Umtriebigkeit nichts verloren hat.
Und doch ist „United Crushers“ das bislang persönlichste Album der Band geworden, suchen sie hier doch eine ausgewogene Balance zwischen politischer Proklamation und privater Beobachtung. Wurden auf „Shulamit“, dem Vorgänger, die Ausdrucksmittel in Bild, Ton und Text noch provokativer gewählt, kommt diese Platte an mancher Stelle sogar versöhnlich und gut gelaunt daher. Und auch wenn die Stücke dadurch vielleicht etwas von ihrer Kantigkeit und Unverwechselbarkeit eingebüßt haben, so klingen sie doch noch immer vielschichtig und spannungsreich und weisen stets diese kleinen, unscheinbaren Sollbruchstellen auf, die sie von bloßem Formatpop deutlich abheben. Das schroffe, tonnenschwere „Top Coat“ stellt hier eher die Ausnahme, „Lime Habit“ und „Someway“ wippen dagegen deutlich unbeschwerter und sind wohl eher für die Tanzfläche als für den Rückzug in die Innerlichkeit geschrieben.
Schärfer dann schon der Track „Wedding“, in dem wachsende Polizeiwillkür, grassierende Waffengewalt und gefährliche Milieuverflechtungen angeprangert werden, hier haben es Poliça mit der visuellen Muppet-Show-Übersetzung von Isaac Gale – wenig überraschend – schnell in die öffentliche Diskussion geschafft. Ähnlich deutlich wird Leaneagh in „Baby Sucks“, hier reicht ein Ehrendoktor in Küchenpsychologie, um zu erkennen, dass der Zuhörer Zeuge einer sehr persönlichen Abrechnung wird: “Cut throat gets beaten by black coats, we own ourselves now, your name can not be found. I don't need your money, I don't need to know what you know, have realized it’s lost on you.” Das wohl beeindruckendste Stück hat sie gleich zu Beginn der Arbeiten an der Platte geschrieben – “Berlin” entstand nach ihrer Rückkehr von der Tour ins Haus ihrer Eltern und bringt eine bedrohliche Düsternis und Wucht ins Spiel, die noch sehr an das Stimmungsbild des Debüts „Give You The Ghost“ erinnert. Der Umstand, dass ein so tiefschwarzer Song auf „United Crushers“ als einer unter vielen verschiedenen wahrgenommen wird, macht diese Platte zu einer besonderen. http://www.thisispolica.com/
27.10. Köln, Kantine
28.10. Frankfurt, Batschkapp
29.10. Hamburg, Uebel und Gefährlich
04.11. Berlin, Astra
05.11. München, Technikum
Kristin Kontrol: Freiwillige Selbstkontrolle
Donnerstag, 3. März 2016
Witching Waves: Relativ sensationell
"Crystal Cafe"
(Soft Power Records)
Es geht mit Sicherheit auch eine Nummer kleiner: Gerade hat sich die halbe Wissenschaftswelt wie Bolle darüber gefreut, dass man endlich die Existenz der Einsteinschen Gravitationswellen nachweisen konnte, etwas bescheidener freut sich, wer die Hexenwellen aus London für sich entdeckt: Das Londoner Trio, bestehend aus Emma Wigham (Gesang, Drums), Mark Jasper (Gitarre) und Ed Shellard (Bass), ist vor zwei Jahren auf dem Radar der Talentsucher aufgetaucht und mit dem aktuellen, zweiten Album könnte sich der Bekanntheitsgrad der drei noch um einiges vergrößern. Erstklassiger Schrammelpop wird auf "Crystal Cafe" zum Besten gegeben, eingängig und dennoch ausreichend schräg, um nicht gleich jedermanns Sache zu werden. Ganz groß wird dabei auch der Noise geschrieben, Stücke wie "Red Light" und "Receiver" schmirgeln sich ganz wunderbar in den Gehörgang, an anderer Stelle glaubt man als Vorbilder die Pixies ("Make It Up") oder The Cure ("Flowers") zu erkennen. In jedem Falle fünfunddreißig abwechslungsreiche Minuten, die Lust auf mehr und vor allem auf live machen. http://witchingwaves.tumblr.com/
Innerspace Orchestra: Doch eher nachhaltig
Black Mountain: Abgedreht
A Place To Bury Strangers: Rolle rückwärts
Yeasayer: Zielführend
Mittwoch, 2. März 2016
Suuns: Spendabel
19.05. Berlin, Berghain
Fear Of Men: Sparsam [Update]
Update: Und hier ist sie dann endlich, die erste neue Single der drei - "Island".
Kagoule: Nachgelegt
Holy Esque: Flucht nach vorn
„At Hope’s Ravine“
(Beyond The Frequency)
Sie haben einen lange warten lassen. 2011 tauchten Holy Esque mit ersten Demos in der Öffentlichkeit auf, wieder zwei Jahre darauf vermeldeten die Netzportale ein angeblich bevorstehendes Album – es sollte bis heute und einige Singles und EPs mehr dauern, bevor das Langspieldebüt des Quartetts aus Glasgow realisiert werden konnte. Nun will das in Zeiten viraler Netzstrategen und so cleveren wie hungrigen Marketingabteilungen so gar nicht zum allgemeinen Hoppladihopp des umtriebigen Medienbetriebs passen (was die Sache nachträglich in einem sehr sympathischen Licht erscheinen läßt), man wundert sich also und freut sich ehrlichen Herzens über den längst fälligen Einstand. Der geschilderten Historie ist es geschuldet, dass dieser nun natürlich nicht mehr ganz so taufrisch rüberkommt – die Jungs hatten ja Zeit, über die Jahre ein paar Stücke zu sammeln und so sind ganz sechs der elf Songs einigermaßen bekannt und mit „Rose“, „Tear“ und „St.“ auch die ersten Gehversuche der Band auf der Platte vertreten.
Was überhaupt nicht schade ist, denn schon früh zeigten Holy Esque eine beeindruckende Qualität, die sie sich bis heute uneingeschränkt bewahrt haben. Hervorstechendstes Merkmal ist sicher des Sängers markante Stimme – Pat Hynes‘ Organ führt die Erinnerung zurück in die Zeit der Tonbandkassetten: Wenn damals böswillige Geschwisterkinder oder zerstörerische Bandfressgeräte die Lieblingstapes verknitterten, versuchte man diese in seiner Not behutsam über warme Glühbirnen zu ziehen und so mehr schlecht als recht zu glätten – hörte man sich das Band hernach wieder an, klang das ungefähr so schief und schlingernd wie Hynes heute. Und wie das mit Alleinstellungsmerkmalen nun mal so ist, sie machen den Unterschied, die Stücke bekommen durch diese Eigenart eine so noch nicht gehörte Fiebrigkeit und Intensität und Holy Esque wären gut beraten, dies auch so beizubehalten (Wie auch sonst – wer wollte sich zum Beispiel Jürgen Vogel mit einer Raabsche Kauleiste vorstellen…?!).
Zurück zur Musik. Die Band bevorzugt hier eher das große „Orchester“ – neben einer Reihe elektronischer Texturen dominieren die schweren, mitunter auch mächtig lärmenden Gitarrenwände. Melodische Hooks und leisere Töne gibt es eher selten, der Sound kracht und knirscht im Dunkel und Hynes setzt sein unfreiwilliges Vibrato obenauf. Textlich bewegt sich das alles zwischen Selbstzweifeln, Liebe, Angst und Einsamkeit, gespeist aus einer Jugend in East Kilbride, einer kleinen und ziemlich grausigen Glasgower Vorstadt, die weit davon entfernt ist, Heranwachsenden ein Sehnsuchtsort zu sein und einem wie so oft nur die Wahl läßt zwischen Flucht oder Kapitulation. Dieses Spannungsverhältnis übersetzen Holy Esque auf das Trefflichste in Wort und Ton und fügen noch ein paar fiktive Geschichten mehr hinzu, die Themen wie Religion (“St.”) und Prostitution (“Doll House”) mit den eigenen Erfahrungen versuchen zu verbinden. “Das Warten hat sich gelohnt” ist nun wirklich eine denkbar platte Floskel, hier aber trifft sie punktgenau zu. http://athopesravine.tumblr.com/
Dienstag, 1. März 2016
The Kills: Lange geübt
Die Heiterkeit: Nicht das Ende
07.06. Hamburg, Golem
08.06. Berlin, Acud
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