Dienstag, 30. Oktober 2018
Blushing: Verschworene Gemeinschaft
Montag, 29. Oktober 2018
Cake: Aus der Versenkung
Kagoule: Und immer wieder Lieblingslieder
„Strange Entertainment“
(Alcopop Records)
Das ist sicher keine leichte Entscheidung: Das erste Album draußen, von der Kritik hoch gelobt, die Fanbase ist begeistert, aber der richtige Durchbruch scheint noch nicht gelungen. Frage also: Wie weiter? Auch Kagoule aus Nottingham haben sich um eine Antwort wohl nicht herumdrücken können, nachdem ihr Erstling „Urth“ 2015 das Grunge-Revival befeuert und auch sonst viel Lob geerntet hatte. Gleichwohl steht man als Musiker irgendwie immer vor der Entscheidung, ob man weiter vor allem dem eigenen Anspruch genügen möchte und unbeeindruckt weiterwerkelt oder besser auf ein paar Ecken und Kanten verzichtet und dem Geschmack der Masse und ein paar Ziffern mehr auf dem Kontoauszug so ein paar Meter näher kommen will. Beides zusammen geht selten und gleich, welche Richtung man einschlägt – es erwarten einen garantiert Beifall und Unverständnis zu gleichen Teilen.
Was von dem Trio aus der Mitte der Insel zu erwarten war, ließ sich schon aus einem Interview mit Gitarrist und Songschreiber Cai Burns herauslesen, das dieser einem Netzportal bei Veröffentlichung der Single „Not My Day“ gegeben hatte: „Das wichtigste und lohnendste für mich ist, dass ich einen Song, den ich gemacht habe, wirklich genießen kann. Das mag vielleicht komisch oder sogar egoistisch klingen, aber ich versuche tatsächlich, einfach jedes Mal mein neues Lieblingslied zu schreiben.“ Was zwischen den Zeilen nichts anderes heißen soll, als daß es ihm ziemlich egal ist, wem außer der Band selbst seine Ideen sonst noch gefallen, solange sie für ihn, Bassistin Lucy Hatter und Drummer Lawrence English funktionieren, läuft alles bestens.
Keine Sorgen also für alle, die den Ausverkauf fürchteten, Kagoule klingen weiterhin so rough und eckig wie zu Zeiten des Debüts. Sie haben ein einige, kleinere Stellschrauben gedreht, der Grunge steht nicht mehr ganz so dominant im Vordergrund, ein paar Synthsequenzen und Fuzzgitarren wurden ergänzt. Angepaßt oder gar glanzpoliert wirkt das alles bei weitem nicht. Auffällig oft hat sich Burns auch die Leadvocals geschnappt, Hatter übernimmt in der Regel den Backing-Part und tritt nur selten in die erste Reihe. Richtig durchgerockt wird eigentlich nur beim Dreiklang aus besagtem „It’s Not My Day“, „Superhuman“ und dem vorzüglichen „Mister Automaton“, die restlichen Stücke frönen der Lust am Gegenspiel aus laut und leise, hart und zart und wechseln das Tempo nach Belieben. Sie haben lange gebraucht für diesen zweiten Wurf und liest man ihre aktuellen Tweets richtig, spürt man einige Erleichterung, daß der Kampf nun endlich vorbei ist. Bleibt zu hoffen, dass ihnen der Anhang die Konsequenz danken wird – wir fangen jedenfalls schon mal an und vergeben die maximal erreichbare Punktzahl.
Sonntag, 28. Oktober 2018
Screaming Females: Gegenbeweis [Update]
"All At Once"
(Don Giovanni Records)
Zuverlässig wie Trumps Tritte ins nächstgelegene Fettnäpfchen kommt immer jemand mit der Behauptung um die Ecke, die Gitarre hätte als Musikinstrument endlich ausgedient und keiner wolle sie mehr hören. Diese nichtsnutzigen Unkenrufe werden zukünftig mit einem Wochenendseminar bei den Screaming Females in New Jersey bestraft und deren Frontfrau Marissa Paternoster wird mit gewohntem Furor schon dafür sorgen, daß derlei unwahre Behauptungen künftig unterbleiben. Das aktuelle Album des Trios ist nämlich pickepackevoll mit lauter Gegenbeweisen, wir hören laut schrammelnden Indierock allererster Güte, der Vergleich mit dem Frühwerk der Smashing Pumpkins, der die Band schon seit ihren Gründertagen und dem Durchbruch "Ugly" (2012) verfolgt, läßt sich auch hier beim besten Willen nicht leugnen.
Gab es auf dem ebenfalls sehr gelungenen "Rose Mountain" einige Anzeichen für eine vorsichtige Diversifizierung hin zu neuen Instrumenten, ungewöhnlichen Arrangements, ist hier der Focus wieder strikt auf die rohe Gewalt polternder Riffs gerichtet, in mehreren Fällen gönnt man sich gar herrlich altmodische Gitarrensoli. Und das macht wirklich nur, wer sich seiner Sache ziemlich sicher ist. Dass Paternoster mit allem Unbill der Welt vor ihrer Haustür einen tagtäglichen Kampf ausfechtet, liegt auf der Hand - medialer Overflow und damit einhergehende Überforderung ("Glass House"), männliche Dominanz und Arroganz ("Black Moon") und vieles mehr treiben sie um und ihre Wut bricht sich in jedem der fünfzehn Songs Bahn. Die Screaming Females bleiben mithin nicht nur die Antithese zur musikalischen Trendhascherei, sondern auch eine wichtige Stimme der resistance. http://screamingfemales.com/
28.05. Köln, Buman und Sohn
29.05. Berlin, Kantine Berghain
30.05. Hamburg, Hafenklang
Tour-Update:
05.03. Düdingen, Bad Bonn
06.03. Zürich, Rote Fabrik
11.03. Wien, Chelsea
12.03. München, Unter Deck
16.03. Berlin, Cassiopeia
Object As Subject: Wilde Bande [Update]
Update: Bild zum Ton - hier aktuell nachgereicht das Video zu "WEAPONRY" von Regisseurin Megan Fowler-Hurst.
Samstag, 27. Oktober 2018
Sudden Infant: Mega Dada City
Blonde Redhead: Konsequent anders
Sigrid: Nachschlag
Laura Jane Grace: Neue Wege
Freitag, 26. Oktober 2018
Sgrow: Anhaltend unangepaßt
Bit Cloudy: Ohne Störgeräusche
Donnerstag, 25. Oktober 2018
Eliza Shaddad: Soundtrack der Veränderung
„Future“
(Beatnik Creative)
Es wird ja viel gelobt, wir nehmen uns da nicht aus, einfach weil es weit mehr Befriedigung verschafft, etwas zu finden, das einem gut gefällt und weil auch mehr dazugehört, als dieses oder jenes in der Öffentlichkeit (und sei es auch nur eine kleine) zu zerreißen. Das nun folgende Lob ist nun aber kein überraschtes, kein vorschnelles, unüberlegtes. Denn die Songs der jungen Britin Eliza Shaddad begleiten uns schon seit Jahren und sie sind, das darf man ohne jeden Zweifel behaupten, bei allen Wandlungen, die sie stilistisch genommen haben, immer von bestechender Qualität gewesen sind. 2012 erschien mit „January – March“ ihre erste EP, eine zurückhaltende, zarte Sammlung von Folksongs. Zwei Jahre danach mit „Waters“ die langsame Hinwendung zum Rock, der noch einmal zwei Jahre darauf („Run“) dem Grunge Platz machte. Und auch dann folgte kaum eine Pause. Shaddad reiste in dieser Zeit, familiär bedingt, über die Kontinente, Australien, Afrika, Asien, Europa, Freundschaften wurden geschlossen, später Beziehungen, Trennungen blieben nicht aus, Liebe und Schmerz, sie erfuhr das alles quasi unterwegs.
Und schrieb weiter Lieder. Wunderschöne Lieder, jetzt poppiger, facettenreicher, dunkel schon, aber nicht düster. Shaddad baute zunehmend Synthesizer in ihre Kompositionen, Effekte, Beats, doch weil die Lieder im Kern so gut waren, verloren sie sich nicht in der neuen Vielfalt, sondern erschienen reifer, erwachsener. „Future“, ihr lang erwartetes Debüt, ist nun nicht etwa die Aneinanderreihung bislang veröffentlichten Materials, wie es viele gern tun, sondern die Summierung der neu entstandenen Stücke unter dem Topic „Veränderung“. Das meint natürlich neben den Reisen den Verlust von Bindungen, Einsamkeitsängste, Furcht vor der eigenen Courage, vor dem nächsten Schritt. Aber vor allem sollen die Songs den Weg aus der Lebenskrise, aus der Traurigkeit weisen, sollen den Kopf nach oben bringen und die Zukunft, die Chance auf einen neuen, wenn auch ungewissen Lebensabschnitt, in den Mittelpunkt rücken.
Musikalisch hat ihr dabei einmal mehr Produzent Chris Bond geholfen, der auch schon mit Talenten wie Ben Howard oder Matthew And Me zusammengearbeitet hat und Shaddad bereist über längere Zeit begleitet. Gemeinsam haben sie einen Sound gefunden, der einerseits sehr geschmeidig, melancholisch daherkommt, mit großen Melodien, die aber jederzeit von harschen Gitarrenakkorden gebrochen oder harten Drums („Your Core“) angetrieben werden können. Die Referenzen hierzu finden sich sowohl im Wave der 80er als auch dem Glamour-Pop der 90er Jahre („Just Goes The Show“) – The Cure tauchen ebenso auf („My Body“) wie Chris Issaks großartiges Thema „Wicked Game“ zu „Wild At Heart“ – letzteres ist beileibe keine Schande, schließlich haben The XX aus diesem Song einen nicht unwesentlichen Teil ihres Fundaments gezimmert. „The Conclusion“, so heißt der Song von Shaddad, glänzt außerdem mit einem herrlichen Riff im Schlußteil, immer wieder gelingt es ihr, die Zuhörer fast im selben Moment zu umgarnen und zu überraschen. Und das ist das Schöne an diesem Album – hier weiß selbst der Laie, daß die Geschichte des weitgereisten Mädchens aus London gerade erst angefangen hat.
10.12. Hamburg, Nochtwache
11.12. Berlin, Privatclub
Mittwoch, 24. Oktober 2018
Empress Of: Ein Stück vom Glück
„Us“
(XL Recordings)
Madonna wird es sicher freuen. Zwar ist es nicht sonderlich originell, für jede hoffnungsvolle Musikerin ein jedes Mal Madame Ciccone als Übermutter aufzurufen. Fakt ist jedoch, dass viele Künstlerinnen heute gar nicht auf den umjubelten Siegertreppchen ständen, hätte damals nicht die Tochter eines italienischen Autoschraubers und einer Frankokanadierin solch einen Mut bewiesen, mit Hitsingles Wochentakt das Showbusiness durcheinandergewirbelt und gleichzeitig die Sache mit dem weiblichen Selbstverständnis auf ihre stolzen Schultern gehoben. Und auch wenn sie wiederum bei Frauen wie Aretha Franklin, Martha Graham oder Debbie Harry in die Schule gegangen ist, wirkt ihr Weg, ihr Beispiel zweifellos bis in heutige Generationen fort. Janelle Monae beruft sich wie viele mit Vorliebe auf die Kollegin und sicher haben auch die Mädels von MUNA vor ein paar Tagen mehr als einen Gedanken an die (Groß)Mutter des Pop verschwendet, als sie wie folgt twitterten: „Okay, like hear me out the world is burning and civilization is collapsing, but we habe Robyn, we have Maggie Rogers, we have Empress Of, we have Adrianne Lenker, we have Japanese House, we have Christine And The Queens, we have Miya Folick, we have woman giving us art!“
Man könnte die Reihe natürlich unendlich fortsetzen, besser widmen wir uns aber mal einer Dame in dieser Aufzählung, die dieser Tage mit ihrer neuen Platte von sich reden macht – Lorely Rodriguez alias Empress Of gibt tatsächlich in vielerlei Hinsicht (und mit freier Interpretation) ein erstklassiges Beispiel für die obige These ab. Schaut man sich das Cover ihres Debütalbums „Me“ aus dem Jahr 2015 an, dann sieht man dort ein zartes Mädchen mit zweifelndem Blick und unsicherer Gestik – ganz anders jetzt: Aus „mir“ wird „uns“, Vorsicht und Zurückhaltung sind von gestern, frau ist sich der gemeinschaftlichen Stärke bewußt und zeigt das auch gern. Was bei Männern verpönt (Stichwort: Manspreading), ist für Frauen jetzt Zeichen trotziger Selbstbehauptung, dazu der herausfordernde Blick, den man mit „Du kannst mich mal!“ kaum fehldeutet. Bezeichnenderweise spart sich Rodriguez für ihre zehn Dreiminüter fast durchgängig jedwedes politische Statement (auch da folgt sie dem Beispiel Madonnas aus deren Anfangstagen), das gewachsene Bewußtsein wird im Kontext aus Optik, Sound und Sprachmix so selbstverständlich wie ausreichend transportiert.
Heißt einmal mehr: LoFi-Pop für Feinschmecker! Schon erstaunlich, mit wie wenig Tönen und vermeintlich einfachen Mitteln Empress Of hier operiert und wie glatt die Sache aufgeht. Entspannte Rhythmik, verspielte Synthesizer, hingetupfte, hüpfende Melodien und ihre vielleicht nicht sonderlich große, aber angenehm weiche, einschmeichelnde Stimme ergeben eine perfekte Mischung, irgendwo bei Charli XCX, Lily Allen und „Jenny from the Block“. Auch wenn Leichtigkeit oft die meiste Mühe kostet, das hier klingt so locker dahinkomponiert, dass man an das Gute in dieser Welt wieder glauben mag. Dass sie dabei das Englische mit dem Spanischen, also die beiden Muttersprachen ihrer Vita, ansatzlos miteinander vermengt, macht die Sache noch ein Stück sympathischer. Rodriguez singt von der Liebe und hat genug für alle dabei: „Sometimes we fall and sometimes we fly, thats how life goes, chin up to the sky, let your brown eyes light up, they glow. Don't let you heart consume all the hate they love to feed, I've got something that you need, I've got something“ heißt es in „I’ve Got Love“ und wir wären reichlich beschränkt, würden wir uns nicht etwas davon nehmen. http://www.empressof.com/
20.03. Berlin, Kantine Berghain
22.03. Köln, Artheater
Miya Folick: Keine Zweifel [Update]
05.12. Berlin, Musik und Frieden
06.12. Hamburg, Häkken
09.12. Haldern, Haldern Pop Bar
10.12. Köln, Blue Shell
Update: Und noch ein neuer Song vom künftigen Album geht in die Runde - hier kommt "Cost Yor Love", voller dunkler Energie, starkes Stück, schon wieder.
Bob Mould: Weil er es kann
Dienstag, 23. Oktober 2018
Mike Krol: Mit 'nem blauen Auge
Montag, 22. Oktober 2018
Neurotic Fiction: Folgerichtig
Babeheaven: Längst erwartet
Sonntag, 21. Oktober 2018
Hater: Zu gleichen Teilen
„Siesta“
(Fire Records)
Man sollte schon genauer hinhören. Klar, das sollte man tunlichst bei jeder Platte. Aber wer das zweite Album der schwedischen Band Hater vorschnell als Bibi-und-Tina-Wohlfühl-Singalong-Platte abtut, wird dem Quartett wohl nicht gerecht. Denn ganz so klar wie beim Namen der Formation treten die Widersprüche hier nicht zutage. Natürlich beißt sich dieser arg mit dem verträumten, hochmelodiösen Dreampop, Hassbotschaften sind hier nicht zu finden und auch mit bösartigen Chatbots oder Trollen haben die vier aus Malmö nichts am Hut. Aber eben auch nicht mit eitel Sonnenschein und aufgesetzter Melancholie. Denn wer der wunderbaren Caroline Landahl gut zuhört, wird entdecken, daß ihre zarte Stimme wie schon auf dem Debüt "You Tried" immer ein bisschen schief und nicht selten auch etwas brüchig klingt, so als könnte sie im nächsten Moment kippen und mit ihr die als so wohltuend empfundene Stimmung der Songs. Und auch die Instrumentierung ist längst nicht so glattpoliert, wie man nach einem Schnelldurchlauf meinen möchte.
Gönnt man „Siesta“ ein paar Extrarunden, entdeckt man in den zweifellos sehr harmonischen Arrangements viele kleine Widerhaken – hier ein paar bluesige Gitarren zu dunkel vibrierendem Bass („Things To Keep Up With“), bei „Your Head Your Mind“ schichten sich im Hintergrund windschiefe Töne zu einer kleinen, aber feinen Wall Of Sound und bei „Why It Works Out Fine“ wird zur Raspelstimme ein bisschen Funk gemischt. Nicht ganz so ernst gemeint war kürzlich wohl die Bemerkung von Drummer Lukas Tomasson, sie hätten stets eine ganze Schublade voller Antidepressiva zur Verfügung. Er schob dann schnell zur Klärung nach, dass man doch sehr dankbar sei, sich mit Hilfe der Musik mit den düsteren Momenten, die sie alle durchaus haben, auseinandersetzen zu können. Bloß keine Schubladen also, nicht zu schön, aber bitte auch nicht trostlos. Hater versuchen, mit ihrem Sound und den Texten den Zwischentönen und Schattierungen des Alltags gerecht zu werden, Mut zu machen und Hoffnung zu geben, das Schöne genauso zuzulassen wie das Traurige. Zu akzeptieren, dass beides seinen gleichberechtigten Platz in unserem Leben hat, macht es manchmal einfacher. Und zwar sowohl für den, der die Songs schreibt und spielt als auch für den, der sie hört.
23.10. Hamburg, Aalhaus
13.11. Dresden, Scheune
14.11. Berlin, Marie Antoinette
15.11. Jena, Glashaus
Samstag, 20. Oktober 2018
Ganser: Zorniger Nachtrag
Freitag, 19. Oktober 2018
Steiner und Madlaina: Mit dem Herz durch die Wand
„Cheers“
(Glitterhouse)
Wenn es darum geht, den Schlager mit bösen Kommentaren zu bedenken, sind wir ja immer schnell und mit großem Spaß bei der Sache, denn nichts ist einfacher, als Geringschätzigkeit und Überlegenheit zu zeigen. Dabei steckt hinter den Simplifizierungen, Fantastereien, Schönfärbereien ja immer eine auch eine tiefe, nur allzu menschliche Sehnsucht nach dem einfachen Leben, das gut zu einem sein will und nicht mit Widersprüchen, Ungewissheiten und Niederschlägen anstrengt. Die Sehnsucht, dass sich jemand kümmert, Sorgen teilt und man nicht ständig selbst in die Verantwortung gezogen wird. Allzu menschlich, wie gesagt. Oder anders: Es ist komplizierter, leider. Dennoch lassen sich mit klaren Worten oft erstaunlich zufriedene Momente erleben – der große Udo Jürgens hat das gewusst, viele andere auch. Und der noch nicht ganz so große, dafür aber noch sehr lebendige Jan Delay hat erkannt, dass es manchmal eben auch eine „Skorpions-Ballade“ tut, um der Seele zu schmeicheln.
Nora Steiner und Madlaina Pollina haben ihre Lektion längst gelernt. Nach zwei bemerkenswerten EP legen sie nun ein Debütalbum vor, das sie in kürzester Zeit aus dem Vorprogramm von Madlainas Bruder Faber auf die Main Stage katapultieren wird. Sie haben längst verinnerlicht, dass jenes Sprichwort vom Reden, Schweigen, Silber und Gold ihnen im wahren Leben nicht weiterhilft, wenn damit so vieles unausgesprochen und missverständlich bleibt. Also lieber von den Dingen singen, auch wenn sie von Zweifeln, Ängsten, von Reue oder vorweggenommenen Enttäuschungen handeln. Aber eben auch von Liebe, Hingabe, von Zärtlichkeit, den eigenen Träumen und denen der anderen, mehr mit Herz, weniger mit Verstand. Sie tun dies gemeinsam, mit weicher, sanfter oder spröder, kraftvoller Stimme. Dazu die Schweiz als Land der Vielsprachigkeit, Pollina mit den italienischen, Steiner mit den griechischen Wurzeln, das widerspricht sich nicht, das passt zur Zeit.
Es sind anrührende Songs daraus geworden: Liebeslieder, Trennungslieder, Streitlieder, Lustlieder, der ganze verworrene Kosmos des Mit- und Ohneeinander, der ganze Kampf, das Glück, der Schmerz. Sie handeln von den Gewissheiten, die man kennt, aber besser nicht hören will, von der Angst, allein zu sein und deshalb Fehler zu machen, von denen man weiß, dass sie dumm sind. Davon, dass das Einfache eben nicht unbedingt glücklich macht („Frauen wollen was, Männer auch, ein schönes Haus, ein Kind im Bauch“) oder dass es so schwierig ist, zu wissen, was das Richtige ist und dann auch noch den Mut zu finden, eben dies zu tun. „Doch wer soll sich als erstes traun, Vertrautes mit der Faust zerhaun?“ fragen sie in „Das schöne Leben“, dem zwiespältigen Hoch auf die Unentschlossenheit, wenn also die Hoffnung so groß ist wie die eigene Verzagtheit. Alles Lieder, die denen aus dem Herzen sprechen, die ähnlich empfindsam sind. Klare Worte über Unerklärliches, starke Zeilen für unsere Schwächen – und am Ende reißt die Gitarre alles in Stücke. Zwei mit dem Herz durch die Wand, wunderbar.
10.01. Karlsruhe, Substage Café
11.01. Köln, Stereo Wonderland
12.01. Düsseldorf, The Tube
13.01. Langenberg, KGB
15.01. Hannover, Lux
19.01. Bremen, Zollkantine
20.01. Hamburg, Nochtwache
22.01. Mainz, Schon Schön
23.01. Berlin, Musik und Frieden
24.01. Lübeck, Riders Café
25.01. Magdeburg, Moritzhof
26.01. Osnabrück, Kleine Freiheit
27.01. Darmstadt, Pädagog Theater
29.01. Dresden, Ostpol
31.01. Wien, TBA
01.02. Vorarlberg, TBA
02.02. Nürnberg, Club Stereo
03.02. München, Backstage
04.02. Reutlingen, Franz K.
05.02. Ansbach, Kammerspiele
06.02. Leipzig, Moritzbastei
07.02. Erfurt, Museumskeller
Donnerstag, 18. Oktober 2018
Wolfgang Tillmans vs. Powell: Kein Neuling
Mittwoch, 17. Oktober 2018
Karies: Eigenart
„Alice“
(This Charming Man Records)
Wenn in der Stuttgarter Zeitung eine Überschrift wie „Die Könige des Morbiden“ steht und damit Einheimische meint, dann darf man davon ausgehen, dass das Überwindung gekostet hat. Denn dem Schwaben an sich ist das Morbide eigentlich ziemlich fremd. Im bundesrepublikanischen Gesamtvergleich gilt das dazugehörige Bundesland ja eher als die Heimat der trickreichen Selfmade-Kümmerer, stets bester Laune, nie um eine Idee verlegen, Überlebenskünstler, Stehaufmännchen. Ist der Schwabe einmal schlecht gelaunt, dann bruddelt er höchstens, aber Nihilismus, Pessimismus oder Fatalismus liegen etymologisch meilenweit außerhalb der Landesgrenzen. Fanta 4 gehen natürlich klar, die entsprechen dem Selbstverständnis, aber Post-Punk? Wird vermutlich sehr argwöhnisch beäugt und im Zweifelsfalle ungutem, fremdem Einfluss zugeschrieben. Aber auch im Musterländle tun sich sonderbare Dinge, gibt der pragmatische Grüne als politisches Rolemodel mittlerweile den Landesvater und eine Band wie Die Nerven gilt ebenso lange als eine der bekanntesten Noise- und Indierock-Kapellen der Republik. Und weil aus deren Dunstkreis auch Karies stammen (bekanntermaßen werkelt Kevin Kuhn hier im Zweitjob), gehört eben seit 2013 auch der düstere Post-Punk mit zum Repertoire.
Das mittlerweile vierte Album der Formation nach „Fun ist ein Stahlbad“, „Seid umschlungen, Millionen“ und „Es geht sich aus“ ist ihr vielleicht variantenreichstes geworden. Stilistisch maximal vielseitig, textlich gewohnt rätselhaft, so präsentieren sich die vier in den knapp vierzig Minuten – hektisch nervöse Anklänge schönster NDW-Tradition gleich zu Beginn mit „Holly“ und „Pebbo“, später dunkler mit dronigem Gitarrenlärm, Wortspiele als bruchstückhafte Bestandteile der Soundcollagen, mantraartig wiederholt, dadaistisch auf die Spitze getrieben. Gern auch Gegensätze – hier der Pop von „Reden über was“ als Parabel aufs tägliche Worthülsengefecht, dort der „Altar“ fast schon gothy, bleischwarzes Pathos, dunkle Messe, Angst, Bedrohung. Im Vergleich zu den ersten Alben ist dieses hier deutlich inhomogener, wandlungsfähiger, dafür weniger hart. Jetzt fallen einem eher die Schweizer von Grauzone ein, Anfang der 80er haben die gleißend hell gebrannt, sind schnell erloschen und vielen leider nur mit einem abgenudelten „Eisbär“ im Gedächtnis verblieben. Ihr damaliges Debüt ähnelt dem aktuellen „Alice“ in vielen Momenten und das ist ein weiterer, erstaunlicher Aspekt schwäbischer Eigenart. http://kariesband.blogspot.com/
Zum Album gibt es im Übrigen auch eine weitere Ausgabe der Rubrik Familienalbum.
07.11. Wiesbaden, Kreativfabrik
08.11. Köln, Gebäude 9
09.11. Osnabrück, Kleine Freiheit
10.11. Bremen, Lila Eule
11.11. Berlin, Lido
12.11. Dresden, Groovestation
13.11. Leipzig, Ilses Erika
14.11. Chemnitz, Nikola Tesla
15.11. Nürnberg, Künstlerhaus
16.11. Würzburg, Cairo
Chlöe Howl: Restart
Dienstag, 16. Oktober 2018
Christine And The Queens: Mitten hinein
Support: Lauren Auder
Columbiahalle, Berlin, 15. Oktober 2018
Bayern zu entfliehen ist dieser Tage nur schlecht möglich: Erst der vom Rest der Republik mit einer Mischung aus Neid und Fremdscham bestaunte Trachtensuff des Oktoberfestes (Disneyland für Dauerdichte, SZ), dann hustet der einst so stolze und jetzt ziemlich irdische Ballsportverein aus München und stürzt das ganze Land samt La Mannschaftnix in eine schlimme Depression – und nun auch noch diese Laptop-Lederhosen-Landtagswahl samt volkstümelnder Politkasper, roter Dystopie und spaßiger, grüner Allmachtsfantasien. Selbst die ehrenwerte FAZ liest sich plötzlich wie eine Lokalausgabe des bedrohlich trudelnden Freistaates – ist da denn kein Entkommen!? Doch, schon. Oder besser: fast. Denn selbst auf dem einzigen Deutschlandkonzert von Frankreichs Musikexport Nummer eins Christine And The Queens in Berlin werden am Eingang ein paar schwammige Brezn gereicht. Tagsüber hatte man schon einen Kreuzberger Hipster mit Weißbier aus der Flasche flanieren sehen (dafür gäb’s in Bayern mit Recht eine strenge, amtliche Abmahnung), aber sonst ist hier alles angenehm unbayerisch – die Hauptdarstellerin ja ohnehin und sowieso.
Héloise Letissier ist nicht ohne Grund dort, wo sie jetzt so frenetisch umarmt und bejubelt wird – niemand bringt das neue Gefühl der sexuellen Selbstbestimmung so locker und bestimmt auf den Punkt wie sie, niemand vermählt klassischen Pop und verschwitzten Tanz auf so beeindruckend perfekte Weise wie diese schmale, trotzige, sympathische Frau aus Nantes. Wer ihre Lieder hört, mitsingt und -schwingt, der kann damit auf gänzlich einfache, weil eingängige Art (wie sie das eben auch tut) eine sehr gegenwärtige Lebenseinstellung verinnerlichen und transportieren. Christine And The Queens schaffen auch an diesem Abend das, was Politik mit dem oft angestrengten Ringen der Worte nicht vermag: Mit einem Fingerschnippen, einem Hüftschwung, einer herausfordernden Geste, einem lauten Lachen hat sie die Halle sofort hinter sich und somit auch in dem Gefühl vereint, dass sich das, was da auf der Bühne passiert, mühelos im sonst so beschwerlichen Alltag zwischen Vorsicht und Vorurteil unterbringen ließe.
Auch wenn es wohl Schwerstarbeit ist, was Letissier da mit ihrem Tanzensemble vor dem Bühnenbild aus Bergkulisse (Bavaria, haha) und schwerer See veranstaltet, auch wenn dahinter eine bis ins letzte Detail verplante Choreografie stecken mag – es wirkt so verteufelt leichtfüßig, so selbstverständlich und locker, wie es wohl nur die Verbindung von Können und Leidenschaft vermitteln kann. Die an Fame oder die Westside-Story erinnernden Tänze, das Auf und Ab mal geschmeidiger, mal wilder Bewegungsabläufe, wie man es schon aus ihren Videos kennt, das Ineinander von Körper, Sound und Gesang ist unglaublich, ist ansteckend. Und makellos – was sicher ein ungewollter Eindruck ist, denn gerade die Akzeptanz des Makels, der Unebenheit, der Anders- und Unartigkeit ist Letissier ja in ihren Liedern ein immerwährendes Anliegen. Jeder ihrer zahlreichen, aktuellen Hits lässt sich von dieser Seite lesen, ob nun „It Doesn’t Matter“, „5 Dols“, „Damn, Dis-Moi“ oder „La Marcheuse“ – sie alle sprechen ein und dieselbe Sprache.
Und sind andererseits natürlich ganz nah bei den Idolen der Zeit verortet, die sie musikalisch offenbar am meisten schätzt: Queen, Michael Jackson, Madonna, sie alle werden mehr oder weniger deutlich zitiert. Sie internationalisieren quasi ein Programm, was ausschließlich in französischer Sprache wohl schwerer möglich wäre (und sicher ein Grund für die konzeptionelle Zweisprachigkeit ihrer Alben ist). Der große Magier (und Vereinnahmer) Pop ist also allgegenwärtig, man nimmt es gern in Kauf, versteht sich prächtig und genießt den Auftritt auf und später auch als szenische Überraschung vor der Bühne. Wenn sich Letissier dann ausgepumpt, mit glücklichen und dankbaren Worten aus dem Publikum von selbigem verabschiedet, dann meint man zu verstehen, was diese Frau so einzigartig macht wie nur wenige vor ihr: Wer die Mühe vorher und die Nähe danach mit solch beseelter Freude auf sich nimmt, kann das nur aus Berufung tun. Und spielt sich so auf direktestem Weg mitten hinein in die Herzen der Zuhörer. Die Brezn gingen am Ende übrigens nicht mal für den halben Preis weg, was als schöne und gerechte Schlusspointe irgendwie auch bestens paßt.
Moderate Rebels: Die letzten Geheimnisse
Die Nerven: Anhaltende Aufruhr [Update]
„Fake“
(Glitterhouse)
Manchmal kommt man schon darüber ins Grübeln, warum das denn so sein muß, dass die richtig guten Sachen meistens auch die richtig schwierigen sind. Solche also, die Kopfarbeit einfordern, die anstrengend, unbequem, unnachgiebig sein und einem den letzten Nerv (sic!) rauben können. Das gilt für Bücher, Filme und für die Musik, wo nur nachhaltig bleibt, was Unruhe zu erzeugen vermochte. Eine erschöpfende Antwort ist nicht so schnell zu finden, wohl aber mit dem neuen, vierten Album der Band Die Nerven ein Beispiel zur Untermauerung der These. Einfach zu haben war das Trio noch nie, Max Rieger, Julian Knoth und (später) Kevin Kuhn bewegten sich in ihren Anfangstagen allerdings ein wenig unter dem Wahrnehmungsradar, was vielleicht etwas damit zu tun hatte, daß viele Leute Punk und Stuttgart nicht ganz so einfach übereinander brachten wie beispielsweise Hamburg oder Berlin. So zu tun, als ob die Band gerade einen Überraschungscoup gelandet hat, wäre dennoch ungerecht, denn auch Fluidum, Fun und OUT, ihre bisherigen Platten, waren kleine Meisterwerke. Nur eben weitgehend unentdeckte respektive ignorierte.
Das jedenfalls, soviel ist sicher, wird ihnen nun nicht mehr passieren, denn nachdem sie live seit Jahren schon eine eigene Kategorie definieren (die sie erst kürzlich mit einer phänomenalen Pressung untermauerten), gibt es nun sogar internationale Aufmerksamkeit und Beifall, hierzulande sollte „Fake“ den Durchbruch bringen. Auch oder gerade weil es – siehe oben – wieder ein zorniges, ein aufrührendes Werk geworden ist. Das waren zwar die drei Vorgänger auch schon, doch kommen jetzt zu Wut und Frust noch deutliche Anflüge von Wehmut und Melancholie hinzu. Und eine hörbare stilistische Auffächerung des Sounds, die den musikalischen Nebenschauplätzen von Rieger (All diese Gewalt), Knoth (Peter Muffin) und Kuhn (Karies) Rechnung trägt. Mehr Elektronik also, wenn auch sparsam eingesetzt, mehr Mut zur tragenden Melodie und häufiges Spiel mit Pausen, Rhythmus- und Tempowechseln. Wer unbedingt einen Vergleich braucht, kann in Deutschland möglicherweise bei den Münsteranern von Messer fündig werden.
Leiser wird es deswegen trotzdem nicht. Wenn der Einstieg mit „Neue Wellen“ und „Niemals“ vielleicht etwas gemäßigter geraten ist und eher dem Etikett Post-Punk genügt, wer sich wie Die Nerven entschieden hat, in seiner Arbeit das Gegenwärtige, und sei es auch noch so unangenehm, zu spiegeln (Stichwort: What a time to be alive), der muß wehtun. Und so finden sich natürlich viele beißende Kommentare zum dem, was uns fälschlicherweise als soziales Netzwerk verkauft wird und doch nur eine kalte, künstliche Parallelwelt ist, die gleichwohl die Kraft hat, Leben zu manipulieren und im schlimmsten Falle gar zu zerstören. „Frei“ zeichnet hier ein ebenso düsteres Bild wie der Titelsong „Fake“, es geht um Deutungshoheit und Meinungsmache, um Multiplikatoren und Algorithmen für die Lügen und den Neid, um den ungezügelten Hass auf alles und jeden (und nicht von ungefähr werden beide Stücke von der Band in eine Doppelsingle gepackt). Dagegen nimmt sich der ferngesteuerte Konsumwahn der Jetztzeit („Skandinavisches Design“) fast schon harmlos aus.
Die neuen Töne sind die traurigen, die rat- und auch mal mutlosen. „Wir machen alles falsch, wir machen alles richtig“ heißt es an einer Stelle und natürlich kommt die Frage, ob früher wirklich alles besser, einfacher war. „Kann es nicht gestern sein?“, eines der stärksten Stücke, spinnt den Faden weiter – wo ist sie denn, die Rückrufaktion für diesen Planeten, für diese Gesellschaft, wo jeder meint, alles richtig, alles korrekt machen zu müssen und dann doch nur wegrennt oder eben Amok läuft. Ist das olympische Motto „Dabeisein ist alles“ der einzige Trost, weil wir uns wenigstens als Zeitzeugen für diesen ganzen Irrsinn fühlen dürfen? Doch wem sollen wir berichten, wenn wir staunend inmitten der „Explosionen“ stehen? Diese und andere Fragen provozieren die Songs, es ist ein kluges, schonungsloses, ernüchterndes Werk geworden. Und auch wenn uns die Antworten dazu fehlen – genauer hinzuhören wäre schon mal ein erster Schritt.
Update: Fakenews sozusagen - neues Video zu "Niemals" und Konzertdaten 18/19 en masse.
16.10. Saarbrücken, Sparte 4
17.10. Hamburg, Übel und Gefährlich
21.10. Münster, Gleis 22
23.10. Esslingen, Koma
24.10. Darmstadt, Oettinger Villa
25.10. Düsseldorf, New Fall Festival
01.11. Graz, Orpheum
02.11. Linz, Ahoi Pop Festival
03.11. Wien, Eurovox Festival
17.02. Freiburg, Waldsee
18.02. Karlsruhe, Kohl
19.02. Mainz, Schon Schön
20.02. Essen, Zeche Karl
21.02. Bielefeld, Forum
22.02. Kiel, Schaubühne
23.02. Kopenhagen, Loppen
24.02. Rostock, Mau Club
27.02. Berlin, SO 36
28.02. Nürnberg, Z Bau
01.03. München, Kammerspiele
02.03. Passau, Zauberberg
Sonntag, 14. Oktober 2018
Kristin Hersh: Gute Nachrichten
„Possible Dust Clouds“
(Fire Records)
Man kommt in letzter Zeit (möglicherweise) häufiger zu der Einsicht, daß einem bestimmte Menschen fehlen. Öffentliche Menschen. Menschen, die in den Jahren, die einem noch nicht so dunkel schienen wie die heutigen, wie selbstverständlich da waren, geredet, gesungen, gefilmt, geschrieben haben. Und nun, da man sie bräuchte, fällt auf, daß sie nicht mehr da sind – einfach so. Und zwar nicht, weil sie nicht mehr leben, sondern stumm sind, versteckt, sich zurückgezogen haben. Ihre Wortmeldungen hätten, da ist man sicher, etwas Tröstliches, Vertrautes, etwas, das das Leben in den schwierigen, unsteten Momenten erträglicher machen würde. Michael Stipe ist so ein Mensch. Es gab Zeiten, da erschien in regelmäßigen Abständen ein Album seiner Band R.E.M., nicht jedes ein Meisterwerk, aber immer mit ein paar Songs, die das Zeug dazu hatten, den Alltag aufzuhellen, Gedanken in die richtige Bahn zu lenken, solche Sachen. Die Brücke zu Kristin Hersh ist hier schneller gebaut als man denkt, denn niemand anderes als Stipe hat mit Hersh gemeinsam ihr erstes Soloalbum „Hips And Makers“ aus dem Jahr 1994 eröffnet, „Your Ghost“ heißt der Song und man muß lange suchen, um ein schöneres Duett aus dieser Zeit zu finden.
Kristin Hersh ist im Unterschied zu ihrem damaligen Gesangspartner nie richtig weg gewesen, auch wenn die Pausen zwischen ihren Veröffentlichungen nicht eben klein waren, die ihrer Band Throwing Muses sogar empfindlich groß. Deren letztes gemeinsames Werk datiert immerhin auf 2015, da passt es außerordentlich gut, daß Hersh mit ihrem neuen Solo die wohl beste Muses-Platte seit Jahren abgeliefert hat. Natürlich würde sie das so nie sagen (selbst wenn Drummer Dave Narcizo für einige Stücke im Studio vorbeischaute), aber im Gegensatz zu den vorangegangenen Alleingängen wie zum Beispiel „Wyatt At The Coyote Palace“, einem Opus mit erstaunlichen vierundzwanzig Stücken, ist „Possible Dust Clouds“ erfreulich kurz, knackig und durchgängig rockig geworden. Auch wenn das Covermotiv anderes vermuten läßt – hier ist nicht viel Zeit für behutsame Einleitungen oder besinnliche Momente. Die Gitarren tönen schon ab den ersten Takten von „LAX“ angenehm laut und rau, es scheppert und knirscht wie in den besten Indietagen der 90er. Manchmal kippt der Sound gar etwas ins Psychedelische wie bei „Gin“ oder „Tulum“, das ist etwas ungewöhnlich, aber durchaus reizvoll.
Die wohl wichtigste Komponente aber, die also, die man (siehe oben) auf keinen Fall vermissen möchte, ist sicher Hershs markante Stimme. An Kraft hat sie über die Jahre nichts eingebüßt, so brüchig und verletzlich sie klingt, ist sie dennoch von einer Energie und Intensität, die einem noch immer unter die Haut fährt. Wie sie auf „Possible Dust Clouds“ gegen ihre Dämonen, Ängste ansingt (Hersh litt bis vor kurzem an einer Form Posttraumatischer Belastungsstörung), wie sie versucht, ihren Platz als Mutter, Frau, Freundin und Musikerin zu finden, zu erkämpfen, das ist beeindruckend. Aufgewachsen an der Ostküste der USA, lebt und arbeitet sie seit längerer Zeit in Kalifornien und man kann (nicht nur an der neuen Platte) hören, dass ihr die Gegend gut tut. So gut, dass auch, wie sie Stereogum gerade erzählte, ein weiteres Album der Throwing Muses in Reichweite ist. Es besteht also kaum Gefahr, auf Hersh, auf ihre Stimme, ihre Geschichten in nächster Zeit verzichten zu müssen. Und wer weiß, vielleicht läßt sich ja Michael Stipe davon inspirieren, wir hätten nichts dagegen. https://www.kristinhersh.com/
Run The Jewels: From outer space
Freitag, 12. Oktober 2018
Slaves: Auf den zweiten Blick [Update]
„Acts Of Fear And Love“
(EMI/Universal)
Auf die Frage, welche denn nun die schwierigste Platte ist und warum, gibt es wohl die verschiedensten Antworten. Vielleicht die erste, weil man mit dem raus muss, was vorher nur die engsten Freunde im Probekeller gehört haben und die Angst vor der Blamage oder, noch schlimmer, vor der kompletten Missachtung einfach riesig ist. Die zweite, weil die Zeit der Anerkennung schon wieder vorbei sein könnte und das Lob von gestern so trügerisch wie flüchtig ist. Oder doch die dritte, weil gleich hinter der vermiedenen Blamage die bequeme Wiederholung lauert, der sich nur die wirklich Guten standhaft verweigern. Klar ist jedenfalls, dass es der nicht so schwer hat, der es sich selbst nicht zu einfach macht. Von den Slaves aus Kent gibt es schon zwei Alben und trotzdem noch jede Menge Vorurteile zu hören. Der Independent fasste diese gerade recht treffend mit den Worten zusammen: „All mouth, no trousers“, was ungefähr so viel bedeutet wie „Großes Maul und nix dahinter“. Isaac Holman und Laurie Vincent jedenfalls haben aufgegeben, es allen recht machen zu wollen und um Anerkennung von Fans, Kritik und verehrten Kollegen gleichermaßen zu buhlen – sie sind etwas selbstbewusster, etwas vorsichtiger und wohl auch eine Ecke reifer geworden.
Und genau das hört man „Acts Of Fear And Love“ an: Deutlich kürzer als die beiden Vorgänger, wirken die Songs darauf überlegter, ausgesuchter, reflektiert und bisweilen (siehe Videos) ziemlich selbstironisch. Wütend sind sie natürlich noch immer, aber nicht ausschließlich. Es gibt die punkigen Killer, die mit roughem Gitarrensound loshämmern, den Insta-Wahn geißeln („The Lives They Wish They Had“), in simplen Zeilen politische Statements vom Stapel lassen („Bugs“) oder sich dem allgemeinen Konsum-Irrsinn verweigern („Magnolia“). Aber ebenso akustische Einschübe wie das melancholisch angehauchte „Daddy“, das für Holman und Vincent wie das Fast Forward in der Zeitschleife oder die rechtzeitige Warnung klingen dürfte, desweiteren ein Titelstück, das über die Worte eines Lehrers, die Biografie eines Freundes sinniert und regelrecht nachdenklich wirkt. Oder eben „Chokehold“, obschon laut und schroff, aber mit einem überraschenden Perspektivwechsel, den man den beiden jetzt nicht unbedingt zugetraut hätte. Sie würden, so sagten sie in einem Interview, jetzt andere Musik hören, Elliott Smith, Leonard Cohen, solche Sachen. Ihrem Stil hat das ganz gutgetan. Sie konzentrieren sich auf das Wesentliche, keine überambitionierten Ausflüge mehr in Sachen Rap oder Brazz-Pop. Stattdessen neun Songs, die bestehen können. Klar, daß die spannende Frage nun lautet: Wie es wohl wird – das vierte Album? https://youareallslaves.com/
20.10. Wien, Szene Wien
21.10. Berlin, Lido
22.10. Hamburg, Knust
25.10. München, Strom
04.11. Köln, Luxor
Update: Nach dem Schlagzeug-Casting und der Aerobic-Stunde nun ein Mal Wohnung Weißeln mit den Slaves - hier kommt das Video zur Single "Magnolia".
HEALTH vs. Perturbator: Maschinenmusik
Donnerstag, 11. Oktober 2018
Adrianne Lenker: Auf der Suche
„Abysskiss“
(Saddle Creek)
Es gibt nicht viele Alben, die sich lesen und hören lassen wie ein Gedichtband, und es sind natürlich nicht die lauten, sondern die zarten, nachdenklichen Töne, die solches zulassen, die Raum geben für’s Nachschwingen der Worte und Sätze. Kürzlich ist bei Saddle Creek das Debütalbum von Sarah Beth Tomberlin erschienen – das ist so eins, das nachhallt, im Stillen wirkt, das Ruhe ausstrahlt und auch braucht. Auf gleiche Weise tut das auch die zweite Soloplatte von Adrianne Lenker. Eigentlich ist die junge Frau, die mittlerweile in New York lebt, mit ihrer Band Big Thief unterwegs und erst im letzten Jahr hat das Quartett mit „Capacity“ eines der interessantesten, intensivsten Alben der Saison veröffentlicht. Naturgemäß schafft es ja nicht jeder Song auf die Setlist, mancher hat nicht die Qualität, oftmals aber paßt er auch in Stimmung und Sound nicht zum Rest. Lenker tut gut daran, diese Stücke nicht einfach wegzusortieren, sie prüft, wie sie in einem Interview dem Musikportal DIY erzählte, jede Idee, bevor sie zu verblassen droht, ob sie sich vielleicht solistisch weiterverfolgen läßt. Daraus entsteht dann ein lyrisch derart anspruchsvolles, fast ausschließlich mit akustischer Gitarre eingespieltes Werk wie „Abysskiss“.
Zusammen mit Produzent und Musiker Luke Temple und Toningenieur Gabe Wax ist ihr eine überaus zerbrechliche, anrührende und sehr intime Platte gelungen – keine Drums, kaum Schnörkel, nur ein paar spärliche Effekte, Folk der reinsten Sorte. Ohne genauere Details zu kennen oder zu brauchen, geht es um die schönen und die schmerzvollen Erfahrungen, die sie in Liebesbeziehungen gemacht hat. Lenker scheint eine Frau auf der Suche, unentschieden, open minded, dabei aber auch empfindsam und verletzlich: „No one can be my man, no one can be my woman“ singt sie in „From“, an anderer Stelle bekennt sie: „I’m a lot of boy with a lot of nerves“. Ihr anderes großes Thema ist die Natur, Geburt und Tod in ihrer Gleichzeitigkeit, unabänderlich, mal brutal, mal sinnlich: „See my death become a trail and the trail leads to a flower, I will blossom in your sail, every dreamed and waking hour”, heißt es in “Terminal Paradise”, berührende Zeilen, die sie an anderer Stelle, mit verändertem Blickwinkel variiert. Dem Verlust wiederum spürt sie bei “What can you say” mit den Worten nach: “Pray you can find me, I've been busy turning into more transparent, I could look a lot like you” – wie gesagt, eine Sammlung wunderbarer, lebenskluger Verse, die noch weiter klingen, wenn der Song schon zu Ende ist. Gibt es ja heute nicht mehr so oft. https://adriannelenker.bandcamp.com/
23.01. Berlin, Baumhaus Bar
Mittwoch, 10. Oktober 2018
Girlpool: Mehr als zwei
Lala Lala: Gute Gründe
„The Lamb“
(Hardly Art)
Es gibt viele Gründe, weshalb man Lillie West sympathisch finden kann. Für den mürrischen, zweifelnden Blick, mit dem sie auf dem Cover ihres zweiten Albums in der Gegend herumsteht. Für ihre oft so schiefe Stimme, mit der sie ziemlich angstfrei ihre Songs begleitet und in der immer ein „Love it or leave it“ im Subtext mitschwingt. Für ihren ersten Song, mit dem sie 2014 auf sich aufmerksam machte – eine herrlich traurig-alberne Slackerhymne namens „Fuck With Your Friends“, in der es um die Gedanken eines Teenagermädchens geht, das nicht ganz so smart und selbstsicher daherkommt wie es vielleicht wollte, und um Langeweile, Sex und Zigaretten. Nicht nur dieses Stück ist wunderbar, das ganze Debütalbum „Sleepyhead“, das zwei Jahre später erschien, klingt so verschroben und verworren und liebenswert wie das, was Heranwachsenden durch den Kopf geht und verdient deshalb den (noch auszulobenden) Übersetzerpreis der begriffsstutzigen Ü20-Generation called: Erwachsene.
Ihr Leben ist nicht eben einfacher geworden, so liest man, die Band, der sie nun vorsteht, gibt West den nötigen Halt, um mit Paranoia, Depression und Unglücksfällen im Freundeskreis klarzukommen. Der eigenwillige Name erinnert da fast an das Bild eines verstörten Kindes, welches sich aus Angst die Ohren zuhält und trotzig, laut vor sich hinsingt. Doch mögen ihre Themen ernst und grüblerisch sein, die Töne dazu sind von bestechender Schönheit. Magischer Glanz, den die Gitarren in „Dove“ und „Water Over Sex“ erzeugen und den man von The XX oder, wie beim späteren „Copycat“, von Interpol kennt. An anderer Stelle rough und crispy, abgebremster Surfsound, klug verbastelter LoFi-Synthrock – so etwas bringt nicht, wer kein Gefühl für Harmonien oder aber die Sehnsucht danach hat. Ganz am Ende, da überrascht uns West mit einem Saxophonsolo, so soft, so 90er, daß es unmittelbar im Ohr schmilzt. Anders als ihr Einstieg vor vier Jahren, anders gut. Und definitiv eine Frau, die man im Blick behalten sollte. https://www.lalabandlala.com/
26.02. Köln, Bumann und Sohn
04.03. Hamburg, Aalhaus
05.03. Berlin, Monarch
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