Donnerstag, 31. März 2016
New Order: Komplettverlängerung
Dienstag, 29. März 2016
Familienalbum # 17: Holy Fuck
Holy Fuck "Congrats", Holy Fuck "Latin", Interpol "Our Love To Admire", Deafheaven "Sunbather", "Total - From Joy Division To New Order", Rage Against The Machine "Renegades", Portishead "Three", Arctic Monkeys "Brainstorm", No Age "Nouns", No Doubt "Rock Steady", Paramore "Riot", Drake "If You Reading This It's Too Late", Franz Ferdinand "Franz Ferdinand", The Raveonettes "Lust", The White Stripes "Icky Thump", Hard-Fi "Once Upon A Time In The West", Underworld "Born Slippy", Tiger Lou "A Partial Print", New Order "Waiting For The Siren's Call", The Rifles "No Love Lost", Duran Duran "Big Thing", Daft Punk "Homework", "Daft Punk "Discovery", Underworld "Boy Boy Boy", Kasabian "48:13"
Caro: Geschmackssicher
So Below: Dunkle Anmut
Montag, 28. März 2016
Bob Mould: Etappensieger
„Patch The Sky“
(Merge Records)
Das Außergewöhnliche ist ja nicht unbedingt die Biografie. Viele andere Menschen haben wie Bob Mould Freunde und engste Familienangehörige verloren, hadern mit ihren Beziehungen, selbst den schmerzhaften, aber gleichwohl befreienden Schritt zu sexueller Selbstbestimmung, Bekenntnis und Outing sind vor ihm schon viele gegangen. Schwierig wird es immer dann, wenn all das in der Öffentlichkeit geschieht. Nun schöpft der Künstler seine Kreativität, seine Inspiration nicht selten aus der persönlichen und sehr privaten Lebens- und auch Leidensgeschichte und gibt diese mit seinem Werk zur Teilhabe, zur Anteilnahme frei. Das macht ihn transparent, angreifbar, verletzlich. Und bringt nicht selten Enttäuschungen auf beiden Seiten mit sich, wenn denn das Idol sich so gar nicht mit dem Bild in Gleichklang bringen läßt, was man sich im Laufe der Jahre zusammengezimmert hat. Oft endet das dann in Unverständnis, Liebesentzug, Abwendung.
Bob Mould hat das alles in sehr komprimierter Form erfahren, insofern ist seine Biografie dann doch weit außerhalb des Gewöhnlichen. Er war (und ist für viele) mit Hüsker Dü die Ikone des alternativen Punkrock, konnte auch nach Auflösung der Band solistisch und unter den Monikern Sugar, Blowoff oder LoudBomb bemerkenswerte Erfolge feiern. Schon Anfang der 90er Jahre entschloß sich Mould, mit seiner Homosexualität an die Öffentlichkeit zu gehen, dem folgten zahlreiche Benefiz-Aktivitäten und auch manche musikalische Neuorientierung. Das wirklich Erstaunliche ist, mit welcher Geradlinigkeit der Mann seine Pläne verfolgt und verteidigt, sein Lebensweg folgt einer Straightness, die so häufig nicht vorkommt und einigen Respekt abnötigt. Er kann sich mit seinem ehemaligen Freund und Bandkollegen Grant Hart aussöhnen und trotzdem alle Hoffnungen auf eine Hüsker-Dü-Reunion lächelnd ein für alle Mal vom Tisch wischen.
Wieso sollte er auch? Seine aktuelle Band mit Jason Narducy und Jon Wurster spielt auch heute noch mit beeindruckender Energie und Klarheit und läßt so erst gar keine heimlichen Sehnsüchte aufkommen. „Patch The Sky“ steht ja an dritter Stelle der letzten Soloetappe, die mit „Silver Age“ begann und vor zwei Jahren in „Beauty And Ruin“ seine Fortsetzung fand. Wo der Vorgänger noch den Tod des Vaters thematisierte, war für die neue Platte der kurz darauf folgende Abschied von der Mutter prägend – Mould bezeichnet „Patch The Sky“ denn auch als seine dunkelste Arbeit mit dem größten Tiefgang. Songs über das Altern und die Endlichkeit finden sich hier reichlich, der elegante Graubart klagt über die Stimmen im Kopf, die ihn mehr und mehr umtreiben und auch die Geschichte hinter dem Titel kommt mit einer besinnlichen Parabel über den Verlust und die Beharrlichenkeit auf Erden daher:
„When people leave earth, they tear through the sky, and sometimes they rip a hole in it“ schilderte er kürzlich einem Netzportal seine Idee, „People get left to try to fix that – you’re gonna have to try to approach that hole, you can’t do it from the ground. Better to fix the hole and stay on this side than to travel through.” Und auch wenn einem auf dem Album nicht wenige Stücke mit der Geschwindigkeit und Rohheit der früheren Tage entgegenbrettern, den nachdrücklichsten Eindruck hinterlassen am Ende eher die bedächtig-kraftvollen. „Hold On“, „Black Confetti“ und „Monument“ sind von einer Wucht und Intensität, die selbst auf den beiden Vorgängern nur selten zu finden waren, Mould hat also nichts von seiner Entschlossenheit verloren. Und ist mit seinen nunmehr 56 Jahren noch immer die treibende Kraft einer Generation, die, zumindest was seine Person betrifft, noch lange nicht auf’s Altenteil gehört. http://bobmould.com/
Sonntag, 27. März 2016
Car Seat Headrest: Negation
14.06. Berlin, Privatclub
15.06. Hamburg, Molotow
Samstag, 26. März 2016
Abattoir Blues: Parallel Lines
Freitag, 25. März 2016
Silverbacks: Affenliebe und FKK
Peter Bjorn And John: Die Frage aller Fragen [Update]
Update: Und weiter geht's - hier kommt der Titelsong des Albums...
Jennylee: Stecker raus vs. Beats per minute
Donnerstag, 24. März 2016
Palace Winter: Weichmacher
A Dead Forest Index: Gemeinsam abwärts
Mittwoch, 23. März 2016
Travis: Quietschvergnügt
Twin Haus: Unsonnig
Cool Sounds: Kühler Wohlklang [Update]
Update: Schnelle Nachlieferung - zur aktuellen Single "In Blue Skies" gibt es jetzt auch ein Video.
Dienstag, 22. März 2016
Glitterbust: No Repetition
„Glitterbust“
(Burger Records)
Vielleicht sollte man das an dieser Stelle noch einmal erwähnen: Wo der Popmusiker um Anerkennung und Breitenwirkung bemüht ist, zählt für den Künstler zunächst einmal die Verwirklichung der eigenen Idee, die mit Macht nach außen dringt und deren Befreiung dem Schöpfer ein dringendes, nicht selten sogar körperliches Bedürfnis ist. Was jetzt so schwülstig klingt, hilft für das Verständnis so manchen Werkes und erspart die eine oder andere Enttäuschung. Denn dass Kunst auch gefällt ist mitnichten eine Selbstverständlichkeit, oft will sie gerade das überhaupt nicht, meist ist sie mit viel Arbeit, Mühe, Anstrengung und Geduld verbunden. Nun wissen wir, dass Kim Gordon heute nicht einfach nur mehr das „Girl In A Band“ wie zu Zeiten von Sonic Youth ist, vielmehr teilt sich die Musikerin in ihr den Platz mit der Autorin, der Feministin, der Modemacherin, der Schauspielerin und der zeitgenössischen Künstlerin. Es war also nicht damit zu rechnen, dass ihr neuestes Projekt Glitterbust als leicht bekömmlicher Starbucks-Jingle oder Retrorock-Aufkoche daherkommt. Und in dieser Hinsicht teilt sich die etwaige Enttäuschung gerecht auf beide Lager auf, denn auch die Fans von Partner Alex Knost sollten besser keinen Tomorrows-Tulips-Aufguss erwarten.
In der Kunst sind Wiederholungen, sieht man mal von Andy Warhol und einigen wenigen Gegenbeispielen ab, ja eher unerwünscht, entsprechend unhandlich und sperrig klingt das vorliegende Album und geht so jedem Verdacht auf Repetition aus dem Weg. Der Sound von Glitterbust läßt sich maximal mit Gordons zweitem Teilzeitjob Body/Head (zusammen mit Bill Nace) vergleichen – ähnlich wie auf deren Debüt „Coming Apart“ wird Musik hier eher als Teil eines medialen Gesamtkonzepts begriffen. Bilder und Töne sind dazu angehalten, den Film im Kopf des Zuhörers anzustoßen, zu illustrieren und als Inspirationsquelle für weitere, zuvor vielleicht gänzlich unerwartete Assoziationen zu dienen. Das Handwerkszeug dazu ist gleichwohl das bekannte, gewaltige Feedback-Wände werden von Gordon und Knost in den fünf Stücken aufgezogen, die Gitarren wabern, rauschen, kreischen und rumoren (fast ausnahmslos ohne Schlagzeug) und die wenigen Vocalparts erschöpfen sich in eingespielten Rezitativen oder Gordons weitgehend unverständlichen, taumelnden Gesangsflicken.
Wer Angst hat, er oder sie müsse nun komplett auf jegliche Melodie verzichten, darf beruhigt sein - es reihen sich in den teils überlangen Soundcollagen eine Vielzahl erstaunlich eingängiger Klänge aneinander und entwickeln reichlich Spannungsmomente, nur verbleiben diese eben als skizzenhafte Andeutungen und Teil eines chamäleonhaften Ganzen. Nicht vergessen werden soll natürlich auch der visuelle Part – für „The Highline“ gibt es schon eine erste Videoarbeit, verantwortet von Thomas Campbell, in welcher der Regisseur unscharfe, nächtliche Stadtansichten mit Aufnahmen des musizierenden Duos verschneidet, Ungefähres und Metaphorisches also auch hier. Eine einfache Platte ist das also weiß Gott nicht geworden, wer sie aber nicht böswillig als Umbaupausen-Mitschnitt oder Pedal-Fetisch beiseite legt, sondern ihr dagegen bei entsprechender Lautstärke die nötige Zeit gönnt, wird überrascht sein, welche Wirkung strukturierter, fantasievoller Lärm wie dieser zu entfachen in der Lage ist.
Hundred Waters: Remix 2.0
Illegale Farben: Apocalypse Now
„Illegale Farben“
(Rookie Records)
Alles andere wäre tatsächlich eine Überraschung gewesen: So düster gestimmt, so schwarz gemalt, so zerrissen wie das Land selbst – Illegale Farben, fünf Herren aus Köln, präsentieren sich auf ihrem Debütalbum mit nachdrücklich schlechter Laune. Woher soll die gute auch kommen, wenn das, was sie um sich herum in ihrem Songs und Videos skizzieren, einer verrotteten und verstaubten Endzeit-Kulisse gleicht, einer entmenschlichten Maschinenwelt, deren Bewohner mit den „neonblauen“ Augen des Dune-Volkes durch die Gegend irren und zwischen nicht viel mehr als dem Straßenkampf oder trostloser Vereinsamung zu wählen haben. Und auch wenn diese gruselige Fiction bewusst überzeichnet und comichaft daherkommt – für aufgeweckten Frohsinn haben die fünf nicht viel übrig.
Entstanden als Patchwork aus wie Bands Genepool, Bazooka Zirkus und anderen, widmen sich IF einer energiegeladenen Mischung aus Indierock, Deutsch- und Post-Punk, die Schlagzahl wird meistenteils recht hoch gehalten und Gitarren und Bass sind rau und laut ausgesteuert. Manchmal meint man eine geheime Vorliebe für die versteckten Ohrwurm-Hooks von Interpol herauszuhören (deren Hitsingle „NYC“ dann auch beim Schlußstück „Wellenland“ offenkundig beliehen wird), doch mit allzuviel Feinarbeit hält man sich sonst nicht auf. Wo die Textbezüge eher im Ungefähren und Bildhaften bleiben, ist der Sound scharfkantig und hart. Ein wenig mehr Abwechslung hätte den zwölf Stücken der Platte vielleicht ganz gut getan, bei „Endlich wieder etwas los“, dem herrlich zackigen NDW/Franz-Ferdinand-MashUp zur Atomkrise, hört man, wie es klappen könnte. Dennoch: Hier und jetzt gut und richtig.
01.04. Köln, Stereo Wonderland
02.04. Köln, Gebäude 9
16.04. Köln, Underdog Recordstore
06.05. Hamburg, Molotow
07.05. Ochtrup, Café Freiraum
14.05. Oberhausen, Druckluft
20.05. Nürnberg, Club Stereo
21.05. München, Strom
17.06. Wiesbaden, Schlachthof
Astronauts: Klangzauberei
Montag, 21. März 2016
Vita Bergen: Energiegeladen
Adiam: Handout auf Wiedervorlage [Update]
Update: Gut beraten, wer seine Stücke leichten Herzens auch mal anderen anvertrauen kann - Adiam läßt ihren aktuellen Track "Runaway" vom Rap-Duo Blu and Exile remixen und fährt, wie man hört, gar nicht schlecht damit (s.u.).
Freitag, 18. März 2016
Nada Surf: Mutmacher
„You Know Who You Are“
(City Slang)
Schlechte Tage braucht kein Mensch. Geben wird es sie trotzdem immer wieder. Und manchmal können sie tatsächlich recht nützlich sein. Wenn man nämlich mal so ein verdammt schlechtes Exemplar erwischt hat, dann wird man erst mal merken, wie wichtig Platten wie diese, wie wichtig die Musik Matthew Caws, Daniel Lorca und Ira Elliot ist. Ein knappes Vierteljahrhundert immerhin gibt es Nada Surf nun und ganz zu Beginn waren sie auch mal so richtig hart und kantig, also fast Punk. Das hat sich im Laufe der Jahre, Album für Album, so langsam gegeben und wenn sie heute rocken, dann klingen sie nicht rotzig und verwegen, sondern eher vorsichtig, so als könnten sie sonst all die verschrecken, die sie doch gerade mit ihrer Musik unentwegt umarmen wollen. Und das ist vollkommen in Ordnung, denn Nada-Surf-Songs gehören zu jedem ordentlich gepflegten Soundtrack, den man dann hervorholt, wenn man Trost, Zuwendung und Zerstreuung braucht, Nada Surf sind die Mutmacher ihrer Branche.
Da wo R.E.M. immer etwas zu weinerlich und zu kompliziert waren, bestachen und bestechen sie mit verblüffender Beiläufigkeit, mit einem erstaunlichen Gespür für einfache Melodien und Worte. Natürlich liegt in dieser Beiläufigkeit auch die Gefahr, dass ein/e jede/e schon genug solcher Stimmungsaufheller von ihnen abgespeichert hat, die Notwendigkeit, immer und immer mehr davon zu bekommen, entsteht nicht wirklich, so lange die alten Sachen ihren Dienst tun. Dennoch wird man auch auf dem neuen Album wieder ein paar Stücke finden, die aufzuheben sich lohnt. „Out Of The Dark“ zum Beispiel mit seinen gutgelaunten Bläsern ist so eines, das wirkt im Handumdrehen und steht exemplarisch für das Rezept der New Yorker: Eingängige Instrumentierung, Caws weiche, wohlmeinende Stimme und ganz, ganz viel Empathie: „No one knows how the story goes, everybody looks ahead. Fate doesn't mean there's nothing you can do, there's a reason to get out of bed”, und weiter “You don't have to run around a park, you don't have to be some kind of hero, but it'd be good to get out of the dark and get yourself around some other people.”
Viel komplexer muss man es also gar nicht machen, um bei Zuhörer ein Glücksgefühl zu erzeugen. Man muss das deshalb nicht gleich Erbauungsrock nennen, auch wenn sie es wie ganz am Schluß auch mal etwas übertreiben („Victory’s Yours“). Wessen Himmel sich durch solche Songs schon mal entscheidend aufgehellt hat oder jetzt mit „Friend Hospital“ oder „Gold Sounds“ diese Erfahrung machen darf, der wird nichts Abfälliges über das Trio sagen wollen. Und vielleicht läßt sich ja manche Beziehung auch mit einem Lied wie „Believe You’re Mine“ noch mal kitten, ein Versuch wäre es wenigstens wert. Dass die Gitarren nicht ganz und gar ausgestöpselt worden sind, ist im Übrigen auch eine der guten Nachrichten – ein bisschen Elektrizität hat schließlich noch keiner Komposition geschadet und bei „New Bird“ hört man, wie gut das gelingen kann. Und solange das so bleibt, dürfen sie gern wiederkommen. http://www.nadasurf.com/
02.04. Hamburg, Michelle (Akustik)
03.04. Hamburg, Mojo Club
04.04. Köln, Live Music Hall
05.04. Dortmund, FZW
17.04. Stúttgart, LKA
18.04. Berlin, Huxley's
19.04. Nürnberg, Hirsch
20.04. Wien, WUK
21.04. München, Muffathalle
22.04. Zürich, Dynamo
Tubbe: Fenster auf!
We Are Scientists: Kindergeburtstag
PJ Harvey: Bilderreise
Massive Attack: Schon wieder super
Donnerstag, 17. März 2016
Dexys: To do, not to become
Ein Statement zur Entstehungsgeschichte gibt es seit kurzer Zeit auch im Netz zu lesen, Rowland sagt hier: "The album is called ‘Dexys DO Irish and Country Soul’: DO it, not BECOME it. We’re not trying to be Irish, and we haven’t used too many Celtic instruments on there. It’s our sound. We’re bringing our style to these songs. I’m just a guy who follows my intuition, my inspiration. This really felt like the right thing to do. We have put probably more care and attention into these songs than we might have done with our own songs, because the odds were high. It was important to get them right, and make sure every one of them felt relevant to us.”
Glitterbust: Never enough [Update]
Update: Zur ersten Single "The Highline" gibt es nun auch ein Video, gedreht hat Thomas Campbell in Orange County - Alex Knost und Kim Gordon geben den lebedigen Kontrast zur Stadtlandschaft.
Shura: Unverwechselbar
Lust For Youth: Kostenlose Rückfahrt
„Compassion“
(Sacred Bones)
Ende vergangenen Jahres sind ja Marty McFly und Doc Brown bei Jimmy Kimmel mitten in die Show geplatzt, es gab viele begeistere Menschen und zwei wirklich herrlich bedröppelte Gesichter zu sehen. Die einzige Frage, die danach für lange Zeit offen war: Wo zu Teufel ist nur nach der Show der DMC-12, also die verrückte Zeitmaschine, abgeblieben? Nun, wir dürfen Folgendes vermuten: Unter den Zuschauern muß sich Hannes Norrvide, Gründer der dänischen Band Lust For Youth, befunden haben, der das Gefährt für eine kostenlose Passage zurück in die 80er gekapert und sich nun, einige Wochen später, mit einem neuen Album zurückgemeldet hat – das Anhören von “Compassion” läßt – dickes Sorry an die Requisite – leider keinen anderen Schluß als diesen zu. Wie schon auf dem vorangegangenen “International” perfektioniert Norrice zusammen mit seinen Kollegen Loke Rahbek und Malthe Fischer einen wunderbar stimmigen, geschmeidigen Wavepop, wie man ihn vor gut dreißig Jahren von den Thompson Twins, Yazoo oder auch Depeche Mode zu hören bekam. Die Unbekümmertheit, mit der die One-Hit-Lieferanten von damals zu Werke gingen, haben Lust For Youth quasi reinkarniert, sie vermischen gefällige elektronische Sounds mit soften Beats und man kann sich den Stücken, ob nun dem dunkel schimmernden “Stardom” oder einem pumpenden “Better Looking Brother” in Überlänge, kaum entziehen. Und auch wenn sich der geheimnisvolle Nebel aus den Anfangstagen verzogen zu haben scheint – in Sachen Songwriting macht ihnen so schnell niemand etwas vor. Nur das Auto sollte Norrvide eben schnellstmöglich zurückgeben …
Mittwoch, 16. März 2016
Crows: Haupt- und Nebensachen
Iggy Pop: Nur keinen Nachlaß, bitte!
„Post Pop Depression“
(Universal)
Schön ist das nicht, aber immer wenn sich eine/r von den Alten ab und an zurückmeldet, beginnt im Kopf unweigerlich die Durchzählerei – Lemmy Kilmister, Lou Reed, David Bowie, alle fort für immer und es gibt weiß Gott nicht mehr viele, die eine vergleichbare Biographie vorweisen können. Patti Smith, Marianne Faithfull und Debbie Harry hier, dort vielleicht David Byrne, John Cale und Elvis Costello, in jedem Falle aber Iggy Pop. Selbiges hat sich natürlich auch Josh Homme gedacht, als der Punk-Mucker mit der Idee eines gemeinsamen Albums auf ihn zukam. Er würde so viele Chancen nicht mehr bekommen, auch weil Pop selbst auffällig häufig in letzter Zeit davon redete, mit der Platte gleichsam eine Ära beenden zu wollen. Es bereitet Homme also keinerlei Schwierigkeiten, sich gemeinsam mit Dean Fertita und Matt Helders als Fanboys zu outen und „Post Pop Depression“ im Nachhinein zu einhundert Prozent als Iggy-Pop-Schöpfung einzuordnen. Was sich bei genauem Hinhören ja auch prompt bestätigt.
Die neun Songs mischen beides – den vitalen, schartigen Rocksound der frühen Solotage und die düster besinnlichen Moritaten der späten. Gleich zu Beginn beweisen die vier ein gutes Gespür für das Zusammengehen von Melodie und Rhythmus, „Break Into Your Heart“ scheppert wie in alten Zeiten und des Meisters dunkles Raunen verleiht der Drohung den nötigen Nachdruck. Das folgende „Gardenia“ hätte auch David Bowie gut gestanden mit seinen vergleichsweise sanften Tönen, überhaupt kommt es einem so vor, als wären einige der Songs wie gemacht dafür, dass sie Pop’s alter Freund ein paar Etagen weiter oben genüsslich mitträllern kann. Es geht, nicht wirklich verwunderlich, natürlich um die bittere Pille Tod, die Vergänglichkeit und auch um das ‚danach‘ – die Frage, ob es denn ein amerikanisches Valhalla gäbe, treibt Pop ebenso um wie ein paar bittere Grußadressen an die Zurückbleibenden, wenn er sich dereinst entnervt aus dem Staub macht („Paraguay“). Der kleine, bewundernswerte Mann, der nur noch Haut und Knochen ist, hat uns ein paar ebenso knochige Songs überlassen, die sich als Vermächtnis gut machen würden. Aber das soll jetzt – bitteschön – um Himmels Willen keine falsch verstandene Aufforderung sein! http://iggypop.com/
Dienstag, 15. März 2016
LANY: Gutartige Täuschung
Montag, 14. März 2016
Underworld: Späte Zukunft
„Barbara Barbara, We Face A Shining Future“
(Universal)
Passt das nicht alles wunderbar zusammen? Da feiert gerade die grandiose Verfilmung des Irvine-Welsh-Romans „Trainspotting“ von Danny Boyle sein Zwanzigjähriges, ein Streifen also, der nicht nur für Ewan McGregor, sondern auch für Karl Hyde und Rick Smith einen enormen Popularitätsschub bedeutete. Drei Alben hatte ihre Band Underworld bis zum Erscheinen des Soundtracks abgeliefert, so richtig gezündet hatten sie bis dahin alle nicht. Doch mit der Wiederveröffentlichung ihrer Hitsingle “Born Slippy” in der NUXX-Version sollte sich das schlagartig ändern, von da an ging es steil bergauf mit den beiden und schon “Second Toughest In The Infants” verkaufte sich zwar nicht wie geschnitten Brot, aber doch deutlich besser als die Vorgänger. Nun also Platte Nummer neun. Gemessen an den früheren Maßstäben – Underworld zählten in den Anfangstagen ja eher zur Fraktion der Apokalyptiker unter den Maschinenmusikern – Mitte der Neunziger also hätte man einer Barbara oder welchem Schätzchen auch immer dringend angeraten, auf die Zwischentöne zu hören, denn wenn bei Hyde und Smith vom Licht am Horizont die Rede war, dann hätte es sich durchaus auch um die gleissende Detonation einer Neutronenbombe handeln können.
Diese Barbara hier aber ist die Ehefrau von Ricks mittlerweile verstorbenem Vater, der ihr die Titelzeile des Albums kurz vor seinem Tod zugeflüstert haben soll. Underworld sind demnach gesetzter (zu Zeiten der Olympischen Spiele in London sogar staatstragend) geworden, die jugendliche Bissigkeit ist dem Sarkasmus der späten Tage gewichen, der Sound allerdings kann sich noch immer hören lassen: Die beiden ersten Stücke des Albums „I Exhale“ und „If Rah“ wummern in gewohnter Überlänge noch satt über dem nölend lässigen Gesang („Blablabla…“), zur Mitte der Platte hin werden die Beats dann mehr und mehr in die flächigen, tranceartigen Dubklänge verpackt, für die Underworld (wie auch The Orb) Zeit ihres Bestehens ebenso standen wie für technoides Stakkato und Progressive House. Am Ende haben sich die Herren sogar richtig gute Laune draufgeschafft, „Nylon Strung“ klingt so verträumt und entspannt wie selten – es muss wohl doch am Alter liegen. Und am Gefühl, vieles richtig gemacht zu haben. Hyde sagte kürzlich in einem Interview mit der SPIN, er wisse sehr wohl, dass dem Eigenlob von Künstlern kaum zu trauen sei: „But, all I know is that it’s the most honest piece of work that we have ever done, and it’s a genuine reflection of the energy between the two of us now.” Hört sich nach einer goldenen Zukunft an … http://www.underworldlive.com/
17.03. Berlin, Columbiahalle
18.03. Mannheim, Maimarktclub
Placebo: Sicher nicht allein
31.10. Hamburg, Barclaycard Arena
02.11. Köln, Lanxess Arena
04.11. München, Olympiahalle
05.11. Leipzig, Arena
13.11. Wien, Stadthalle
16.11. Zürich, Hallenstadion
23.11. Frankfurt, Festhalle
24.11. Stuttgart, Schleyerhalle
Samstag, 12. März 2016
Savages: Wahlsieger
Support: Bo Ningen
Strom, München, 11. März 2016
Über ein kulturelles Überangebot in Sachen Populärmusik kann man sich ja in München eher nicht beschweren, selbst für Schmalspuransprüche gestaltet sich der Veranstaltungskalender in der Regel eher übersichtlich. Es gibt allerdings Tage, die aus dem Rahmen fallen – dieser Freitag war so einer, Berliner Verhältnisse, Super-Friday sozusagen, da hieß es, das richtige Kreuz zu setzen. Zur Auswahl standen immerhin Ben Frost, australischer Experimental-Elektroniker, das German Wunderkind Konstantin Gropper alias Get Well Soon, die englischen Style-Ikonen Tindersticks und der Post-Punk der Savages. Es empfahl sich, mit der Entscheidung nicht allzu lange zu warten, denn zumindest die beiden letzten Termine waren restlos ausverkauft – der Veranstalter hatte für die Londoner Frauenkapelle erfreulicherweise eine erstaunlich kleinen Club gewählt, wer da war, dem kam das sicher zu passe.
Nun hat es sich die Kritik ja zur leidigen Angewohnheit gemacht, über Vorbands wenige bis keine Worte zu verlieren, bei Bo Ningen verbietet sich das aus zweierlei Gründen: Zum einen gehört die japanische Progrockband seit Jahren zu den engeren Vertrauten der Savages, gemeinsam haben sie vor zwei Jahren immerhin das Album „Words To The Blind“ aufgenommen und Sängerin Jehnny Beth hält, das betonte sie auch an diesem Abend, große Stücke auf die vier Herren, die ursprünglich aus Tokio stammen, mittlerweile aber ihre Wahlheimat in der englischen Hauptstadt gefunden haben. Darüberhinaus macht das Quartett, das sein Publikum bekanntlich gern mit femininer Kleiderwahl irritiert, einen Höllenlärm, der zwischen Blues, Metal und kreischenden Hardrockanleihen gekonnt umherspringt – allein der letzte Song dauerte eine gefühlte halbe Stunde und endete in einer Art spaßig-gruseligem Gitarren-Harakiri.
In punkto Wucht und Leidenschaft standen ihnen die Savages in nichts nach, die Bühne in kaltes und grelles Licht getaucht, legte das Quartett eine Art Blitzstart hin. Wer die Damen vor drei Jahren während ihrer Tour zum hochgelobten Debüt „Silence Yourself“ gesehen hatte, konnte unschwer ein deutliches Plus an Energie und Selbstsicherheit erkennen. Wirkten sie damals noch leicht unterkühlt und distanziert, hatten sie jetzt die Crowd im Handumdrehen hinter sich und eine deutlich aufgeräumtere Jehnny Beth konnte die Moshpit nach Belieben von der Bühne aus dirigieren. Die Rollen waren ohnehin klar verteilt, Gemma Thompson übernahm an der Gitarre die Rolle der Stoischen und Unnahbaren, Fay Milton hinter den Drums drosch munter drauf los und die wunderbare Bassistin Ayse Hassan wiegte sich unentwegt sanft im Takt der Stücke und lächelte sonst zumeist selbstvergessen in sich hinein.
Den Job der Einheitzerin hatte Beth sich ganz klar selbst zugeteilt – ohne Pause gestikulierte und sprang sie am Bühnenrand umher, einer Furie gleich spuckte und schrie sie die Worte zu Songs wie „Shut Up“, „Husbands“, „Evil“, „Hit Me“ und „The Answer“ in Richtung Zuhörer und wenn sie ihnen nicht ab und an ein gewinnendes Lächeln hinterhergeschickt hätte – man wäre vor Angst schier erstarrt. So aber wogte der aufgeputschte Saal nach ihrem Geheiß wild durcheinander, der Sound war kantig und aggressiv (und manches Mal fehlte es einem fast an einer tröstenden Melodie) – dass sie sich gegen Ende selbst von dieser tosenden Menge tragen ließ, zeugt, läßt man das übliche Rockstarkalkül mal beiseite, auch von verwegenem Mut, der einem gehörigen Respekt abnötigte. Mit dem anrührenden Statement „Adore“ und einem furionsen „Fuckers“ beschlossen die Savages den berauschenden Abend und wer vor Ort war wußte nun, dass er/sie nicht die schlechteste Wahl getroffen hatte.
PS: Zu klären wäre, ob sich Beth nach der Show noch mit einem Expresstaxi in die Kammerspiele fahren ließ, um dort an der Seite von Stuart Staples das herrliche Duett „We Are Dreamers“ aufzuführen – wenn man denn schon mal zur gleichen Zeit in der selben Stadt gastiert? Wer’s weiß, gibt bitte Laut …
Donnerstag, 10. März 2016
Bat For Lashes: Honeymoon mit Hindernissen
Neonschwarz: Hinterm Horizont
Interpol: Sammlerglück
ANOHNI: Nicht nur schön
Bob Mould: Fragen über Fragen
Mittwoch, 9. März 2016
BOY: Von wegen Konserve
10.03. Bielefeld, Ringlokschuppen
12.03. Krefeld, Kulturfabrik
13.03. Wiesbaden, Schlachthof
14.03. Kaiserslautern, Kammgarn
15.03. Karlsruhe, Tollhaus
21.03. Zürich, Volkshaus
22.03. Salzburg, Rockhouse
24.03. Erfurt, Stadtgarten
26.03. Dresden, Alter Schlachthof
27.03. Cottbus, Gladhouse
28.03. Potsdam, Waschhaus
29.03. Magdeburg, Altes Theater
... weitere Termine unter http://www.listentoboy.com/
Violent Femmes: Unbelehrbar unerwachsen [Update]
„We Can Do Anything“
(Pias Recordings)
Wer kürzlich bei Stephen Colbert die Kugelgrill-Performance der Violent Femmes ihres Alltime-Klassikers „Blister In The Sun“ gesehen hat, der kann ermessen, wie wichtig die Musik von Gordon Gano und Brian Ritchie, jetzt unterstützt von Drummer John Sparrow, noch immer ist. Der verzückte Talkmaster, ein textsicherer, leidenschaftlicher Publikumschor und natürlich standing ovations – für viele gehört der Song aus dem Jahr 1983 zum Soundtrack des Lebens, gilt der rotzig-bissige Folkpunk aus Milwaukee als Vorlage zum damaligen Lebensgefühl, dem man heute (wie allem, was in der Entfernung eine unbestimmt Sehnsucht nährt) gern etwas nachtrauern darf. Andersherum geht es den Violent Femmes wohl ähnlich, auch sie werden mit mildem Blick auf längst vergangene Tage schauen – hört man sich ihr erstes Album nach fünfzehn Jahren Pause an, scheinen sie kein Jahr älter geworden zu sein, wirken sie noch immer so unbelehrbar unerwachsen wie in ihren Gründertagen.
Dabei tun die Horns Of Dilemma, langjährige Backingband der Kapelle, ein Übriges zur ausgelassenen Stimmung. Deren Mitglied Jeff Hamilton ist es als Produzent wahrscheinlich auch zu verdanken, dass sich die Violent Femmes auf der aktuellen Platte streckenweise wie die Nordstaaten-Variante der Monty Pythons anhören. Stücke wie „I Could Be Anything“, „Issues“ oder „Travelling Solves Everything“ wirken so operettenhaft und amüsant, wie es ein paar Monate zuvor auf der anderen Seite des Planeten auch den Sparks zusammen mit Franz Ferdinand als FFS gelungen ist. Wo diese allerdings in Richtung Pop unterwegs sind, toben sich die Femmes auf gewohnte und liebgewonnene Weise bei Country, Western und zackigem Bluesrock aus. Und scheuen auch den tiefen Blick in die Augen der Angebeteten nicht, wenn sie für „What You Really Mean“ ganz selbstvergessen von Herzschmerz schmachten.
Mit dem Kindermotto, dass jeder alles kann und alles darf, wenn er oder sie nur eigensinnig genug darauf pochen, haben sie ja schon ihr Album betitelt – dass sie auch weiterhin wenig Lust verspüren, sich an die sittsamen Gepflogenheiten ihrer Altersstufe zu halten, wird schnell klar: Endlose Konfliktgespräche sind ihnen ein Gräuel („Issues“), der Heilige Geist spielt (s)eine erwartet unrühmliche Rolle und die Einladung an die Geliebte, das geräumige Auto doch endlich auch mal ordentlich zweckzuentfremden, zeugt zwar von wenige Anstand, aber mächtig viel Spaß bei der Arbeit („Big Car“). Beendet wird der Reigen mit der handfesten Drohung, dass für die drei beschwingten Herren noch lange nicht alles vorbei ist („I’m Not Done“), sie also noch genügend Körner für ähnlich unterhaltsame Platten haben – seien wir ehrlich, viel Besseres hätte uns doch gar nicht passieren können. http://www.vfemmes.com/
Update: Jetzt mit Video von "Memory" zum aktuellen Record Store Day.
Modesta: Schwer zu fassen
Eagulls: Weiter geht's
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