Sonntag, 30. April 2017
The Technicolors: Phoenix für Spätstarter
Samstag, 29. April 2017
Algiers: Auf den Grund der Seele
Freitag, 28. April 2017
Faber: Stündlich wachsend
Black Fly: Sprichwörtlich [Update]
Update: Der Junge ist immer noch genauso sparsam mit indentitätsstiftenden Daten - deshalb hier einfach mit "Sign 2" ein weiterer Track des nahezu Unbekannten.
Levin Goes Lightly: Nachhall
„GA PS“
(Staatsakt)
Man möchte es kaum glauben, aber es gibt selbst dunkle Erinnerungen, die einem angenehm erscheinen. Im Grunde reden wir hier von zweien, einer ziemlich frischen und einer, die nicht mehr ganz so aktuell ist, die aber von Musikern wie eben jenem Levin Goes Lightly dankenswerterweise am Leben gehalten wird. Der Reihe nach: Den Tod von David Bowie vor mehr als einem Jahr haben wohl alle von uns noch schmerzhaft vor Augen, auch wenn der Abgang an Kunstfertigkeit kaum etwas zu wünschen übrig ließ, ist die Lücke, die der Thin White Duke gerissen hat, auf lange Sicht eigentlich kaum zu schließen. Gerade weil sich der Mann auf der Höhe seines kreativen Schaffens verabschiedet hat, was man sich bei ihm nicht wie einen Gipfel, sondern wie eine dauerhafte Kammwanderung in luftiger Höhe vorstellen muß. Vor fünfzehn Jahren wiederum erlag Frank Tovey aka. Fad Gadget in London einem Herzversagen und auch diese Leerstelle konnte trotz vieler Bewerber nicht mehr nachhaltig gefüllt werden. Gaps also – Löcher, Lücken, nur in anderem Zusammenhang, als Levin Stadler, schillerndes Chamäleon hinter dem besagten Projekt, sie vielleicht mit der Benennung seines neuen Albums beabsichtigt hatte.
Wer aber das Andenken an die beiden genannten Künstler bei sich daheim in einem sorgsam gepflegten Schrein bewahrt, der wird Levin Goes Lightly mögen, wird ihm dankbar sein für den Nachhall, welchen er mit seiner Mischung aus funkelnder Grandezza und düsterer Maschinenmusik heraufbeschwört. Stücke wie „Bluescreen“ und „Cotton“ sind trotz ihrer komplett synthetischen Textur so nahe bei Bowie wie nur wenige Neuerscheinungen in diesem Jahr, „O’Neill“ und „Ground“ wiederum stampfen so weltverachtend und kalt als dunkle, schwarze Masse, als „supermassive black hole“ ins Bild, wie der Wave der frühen Achtziger es nicht besser hätte hinbringen können. Nach dem gleichfalls wunderbaren „Neo Romantic“ gelingt Levin Goes Lightly mit „GA PS“ also der zweite Coup, und das mit einem Sound, den er selbst als romantische Dystopie, als nostalgisch, modern und meditativ, aber eben ganz sicher nicht sonderlich gutgelaunt bezeichnet. „Sad, but beautiful“ – diesen Slogan möchte man gern unterschreiben, ein schwarzer Stern, der denen leuchtet, die ihn zu erkennen vermögen.
13.05. Bremen, Lagerhaus (mit All Diese Gewalt)
14.05. Hamburg, Westwerk (mit All Diese Gewalt)
15.05. Berlin, Lido (mit All Diese Gewalt)
16.05. Leipzig, Werk 2
17.05. München, Unter Deck
18.05. Karlsruhe, Kohi
19.05. Köln, King Georg
20.05. Essen, Hotel Shanghai
Donnerstag, 27. April 2017
Phoenix: Liebe Jungs
24.09. München, Tonhalle
25.09. Köln, Palladium
26.09. Hamburg, Große Freiheit
Bonobo: Geschickte Täuschungen
08.11. München, Tonhalle
09.11. Köln, Palladium
Little Grim: Gar nicht niedlich
Schlachthofbronx: Basslover zum Dritten
Mittwoch, 26. April 2017
Forest Swords: Schicht um Schicht [Update]
26.09. Berlin, Berghain (Certain People)
27.09. Leipzig, UT Connewitz
29.09. Wien, Waves
10.10. Bern, Dachstock
11.10. Zürich, Rote Fabrik
12.10. Hamburg, Uebel und Gefährlich
Update: Und da ist das nächste düstere Kunstwerk - wiederum ein Video von Sam Wiehl, diesmal zur Single "Panic".
Dienstag, 25. April 2017
Fazerdaze: Nur für den Moment
„Morningside“
(Groenland Records)
Es funktioniert tatsächlich. Wer also Lust auf ein kleines und harmloses Experiment in Sachen Autosuggestion hat, muß sich nur, sofern er oder sie solche Aufnahmen nicht vorm inneren Auge abrufen kann, durch ein paar Landschaftsaufnahmen aus Neuseeland googeln und hernach so oft wie möglich das aktuelle Album von Amelia Murray alias Fazerdaze hören. Die Tageszeit spielt dabei keine entscheidende Rolle – auch wenn der Titel des Albums Bezug zur aufgehenden Sonne nimmt, paßt die Platte ebenso gut zum Fade-Out am Ende des Tages. Die Kombination aus Klang und Kopfkino jedenfalls sollte alsbald zu einem Wohlgefühl und einer Leichtigkeit führen, wie man sie sonst nur nach einem mehrtätigem Wellnessurlaub zu spüren vermag. Oder eben bei einer Reise durch Neuseeland.
Wem Ähnliches schon mit der Musik der Sneaky Feelings, The Chills oder The Verlaines passiert ist, liegt nicht ganz falsch, gehören diese Bands doch, auch wenn ihre Glanzzeiten noch im vergangenen Jahrtausend verortet sind, unter den Sammelbegriff des Dunedin-Sounds, mithin also zu einem landestypischen Phänomen und Subgenre. Murray stammt zwar aus Auckland, hat aber Zeit ihres noch jungen Lebens die Liebe zum Dreampop und Shoegazing derart verinnerlicht, daß kein größerer Zeitsprung herauszuhören ist. Waren die Stücke ihrer selbstbetitelten Debüt-EP aus dem Jahr 2014 noch etwas weniger geschmeidig, unrund vielleicht, so kann man sich dem Charme und Zauber der neuen Stücke kaum entziehen – wie Murray im Video der ersten Single “Little Uneasy” auf einem Skateboard überaus lässig durch die Vorstadt rollt, später die Lust am Augenblick besingt, die jeden Gedanken, jeden Atemzug anhalten möchte – das hat schon eine bewundernswerte Qualität. Ab und an, wie bei “Friends” oder “Half Figured”, blitzt auch mal die Lust am ungezügelten Gitarrenkrach bei ihr durch, richtig nachgeben will sie dieser aber vorerst nicht.
Und weil Fazerdaze bald auch nach Deutschland kommen, schnell noch ein paar Fragen an Amelia Murray:
Backpacker-Träume, Herr der Ringe, Whalerider, Rugby, das sind so die Sachen, die Westeuropäer, auch wir Deutsche, von Deiner Heimat Neuseeland gemeinhin kennen und interessieren. Kannst Du uns denn etwas zur Musikszene sagen, in der Du Dich bewegst?
Ha, Du hast Lorde und Flight Of The Conchords vergessen! Ich bin in der Szene rund um Auckland aufgewachsen, die größtenteils aus vielen einzelnen Soloprojekten besteht. Gemeinsam teilen und mieten wir uns dort Proberäume, und auch wenn jede/r seine/n eigenen Stil, seine eigenen Ziele hat, findet ein großer Austausch statt, spielen die Leute gleichzeitig in verschiedenen Bands, tauschen Songs, etc. Ich für meinen Teil wäre ohne die Hilfe der Künstler um mich herum, speziell Merk, Gareth Thomas, Tom Lark und Madeira wirklich aufgeschmissen.
Wie bist Du eigentlich zum Shoegazing gekommen?
Eine bewusste Entscheidung war das nicht, ich denke, ich habe mir eher die Musik gesucht, die zu meiner Stimme am besten passt. Mein Gesang ist ja eher ein leiser und verträumter und ich liebe es, ihn über die anderen Soundspuren zu legen.
Gibt es für Deinen Stil besondere Vorbilder, die Dir einfallen?
Als ich ein Teenager war, hat mir mein Bruder Mazzy Star vorgespielt und ich kann mich noch genau daran erinnern, daß ich Hope Sandovals Stimme schon damals einfach umwerfend fand. Ich denke, das hat meine Musik sehr beeinflusst, ich wollte immer, daß sie genauso entspannt und schön klingt wie dort.
Man hört Stücke wie „Half Figured“ oder „Friends“ – kann es sein, daß dahinter ein Mädchen steckt, das einfach nur laute Gitarren liebt?
Haha, stimmt – ich liebe diesen Lärm! Seit ich denken kann, habe ich Noise gemocht, irgendwie haben den aber immer die Männer gespielt. Ich denke, ein Teil von mir möchte zeigen, dass auch Frauen Spaß an an diesem Krach haben, daß auch Frauen diese Instrumente so spielen können.
Gitarre, Skateboard – vielleicht nicht gerade die üblichen Hobbies für ein Mädchen Deines Alters. Hattest Du denn früher Schwierigkeiten, Deinen Kopf durchzusetzen?
Eigentlich habe ich schon immer das gemacht, was ich wollte und glücklicherweise gab es gerade in der Musikszene genügend Freunde, die das gut fanden und mich unterstützten. Ich denke, es gibt mehr und mehr Frauen, die ihre eigene Musik produzieren, die noch dazu großartig klingt. Beim Skateboard liegen die Dinge ein wenig anders, in dieser Welt bin ich nicht so richtig drin. Aber ich verfolge beispielsweise mit Interesse die New Yorker All-Girl-Gruppe The Skate Kitchen, was die machen ist einfach unglaublich und ich kann nur jedem empfehlen, sich das mal anzuschauen.
Magst Du es, persönliche Erfahrungen Deines Lebens wie bei den Songs „Jennifer“ oder „Lucky Girl“ in den Texten zu verarbeiten?
Natürlich, die meisten meiner Songs sind wirklich sehr persönlich, fast schon wie eine Art Tagebuch. „Jennifer“ beschreibt das Ende einer Freundschaft aus Teenager-Tagen, „Lucky Girl“ wiederum handelt davon, wie undankbar wir sein können, auch wenn uns etwas Schönes geschenkt wurde.
Gibt es denn auch andere Dinge, über die Du gern schreiben würdest?
Noch lerne ich viel dazu, aber möglicherweise kommt mit der Zeit auch die Übung und dann werde ich auch über andere Dinge singen als über meine eigenen Gefühle …
Welchen Bezug hast Du zu Europa und wann werden wir Dich dort sehen und hören?
Oh, ich habe gerade einen Plattenvertrag bei dem Berliner Label Groenland Records unterzeichnet und es wird nicht mehr lang dauern, dann gehe ich auf eine längere Tour durch Deutschland, England, Schottland, Frankreich, Belgien und die Niederlande. Und ich freue mich wirklich auf diese tolle Erfahrung!
19.05. Hamburg, Molotow
20.05. Köln, Gebäude 9
27.05. Neustrelitz, Immergut Festival
HOAR: Sehr ernste Sache
Montag, 24. April 2017
Goldfrapp: Premiere
Sonntag, 23. April 2017
London Grammar: Nichts als die Wahrheit [Update]
Update: Und das wäre dann der vierte Song vom neuen Album, "Oh Woman Oh Man" im Stream.
Das Mörtal: Lieber kälter
Samstag, 22. April 2017
The War On Drugs: Das Wesentliche
Freitag, 21. April 2017
Hendrik Otremba: Im Zwischenraum
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| Foto: Dirk Elsing |
„Über uns der Schaum“
(Verbrecher Verlag)
Es ist wohl der größtmögliche Gegensatz, den er sich da – bewusst oder unbewusst – ausgesucht hat: Hendrik Otremba, Sänger der Münsteraner Post-Punk-Band Messer, hat ein Buch geschrieben, ein dunkler, atemloser, auch bedrohlicher Text. Und während der Plot dieses Detektiv-Romans meistenteils durch die kalten und unwirtlichen Gassen des Molochs Großstadt hetzt, zieht sich der Autor zum Atemholen vom Presserummel übers Osterwochenende in ein kleines Dörfchen an der Ostsee zurück. Kein Internet, gerade mal einen Telefonanschluß, ein paar Schafe, die Einwohnerzahl mehr als überschaubar. Ein Glück also, daß man ihn erreicht, wo doch der Terminplan zwischen Konzertreise und Leseabenden immer enger gestrickt wird. Doch bei Otremba wie gewohnt kein Anzeichen von Hast oder Unlust, bereitwillig und charmant gibt er Auskunft. Über die Verbindungspunkte zwischen Buch und Band, den Reiz der Charaktere, über den unbedingten Willen zu Abgrenzung und künstlerischem Anspruch.
Das ist ja nun kein schmales Novellenbändchen geworden, sondern ein ausgewachsener Roman mit fast dreihundert Seiten – hattest Du vorher Respekt vor so einem Unterfangen?Nein, Respekt hatte ich da überhaupt keinen, weil ich ohnehin Schwierigkeiten damit habe, mich kurzzufassen. Obwohl natürlich lyrische Texte ganz anders funktionieren und ich da oft bewusst eine Verknappung vornehme. Wenn ich vorher an essayistischen oder journalistischen Sachen gearbeitet habe, dann waren die immer eher zu lang geraten, insofern gab es keine Sorge, nicht das zu schaffen, was ich mir vorgenommen hatte. Es gab auch keine so genaue Vorstellung, wie genau ich vorwärtskommen würde, außer einem Anfangssetting und einem Schlußbild existierte kaum Konkretes und so glich das Schreiben mehr einem Versuch, sich dieser Welt, die man aufgemacht hat, auszusetzen. Ab dem Punkt, da sich das Buch mit Leben füllte, war es sogar so, daß sich der Text manchmal fast wie von selbst geschrieben hat, daß ich also nur noch beobachten und beschreiben musste, was geschieht – das waren mit die schönsten Momente bei dieser Arbeit.
Hattest Du vorher schon Ähnliches versucht oder war dieser Roman der sprichwörtliche Sprung ins kalte Wasser?
Ich habe vorher eine Reihe von Kurzgeschichten geschrieben, das waren aber eher unambitionierte Sachen, später gab es noch einige fragmentarische Texte unter dem Titel „Im toten Haus“, die dann ein Stück weit im Eingangskapitel von „Über uns der Schaum“ wiederkehren. Schon längere Zeit habe ich die Angewohnheit, mir vor dem Einschlafen vorzustellen, was ich wohl schreiben könnte, damit waren also die Ästhetik und auch der Erzählwille im Grunde schon vorhanden. Zudem hat mich das Thema Detektive schon lange interessiert, weshalb ja dann das aktuelle Messer-Album „Jalousie“ so wurde wie es ist. Ich habe übrigens als kleiner Junge, kaum daß ich das Schreiben lernte, immer einen Roman schreiben wollen und das war auch ein Detektivroman – der ging dann aber über das Vorzimmer des Detektivs leider nicht hinaus ...
… also ist das ja fast ein Kindheitstraum?
Ja, ein bisschen schon. Ich war mir eigentlich immer ziemlich sicher, daß ich irgendwann mal ein Buch schreiben würde.
Ist es denn möglich, ein solches Buch, einen Krimi, ohne vorherige Planung, also ohne die genaue Vorstellung von Spannungsbogen und Dramaturgie, anzugehen?
Ich habe bei dem Buch überhaupt nicht das Gefühl, daß das ein Krimi sei, es gibt ja keinen Fall, kein Rätsel. Vielleicht verhält sich der Roman zu so etwas wie Kriminalliteratur, weil es die Kunstfigur des Detektivs gibt. Ich hatte aber schon eher ein literarischen Anspruch, eine eigene Welt zu erschaffen, die nicht auf ein bestimmtes Genre begrenzt ist.
Aber eine gewisse Spannung, die sich für den Leser langsam aufbaut, läßt sich beim Lesen nun nicht leugnen?
Ja, genau das war dann die Arbeit. Ich habe in Kauf genommen, daß bestimmte Szenen nicht den Gesetzen der Logik standhalten würden – das war mir ehrlich gesagt auch ziemlich egal. Das Verhältnis von Vergangenheit, Beobachtung, Gegenwart, Wahn, Traum, Rausch, das ist etwas, was mich schon immer interessiert und bei dem ich das Gefühl hatte, mich dort relativ selbstsicher bewegen zu können. Diese Zeitsprünge bestimmen eigentlich alles, was ich bisher geschrieben, woran ich künstlerisch gearbeitet habe – das Verhältnis von Beobachtungen, Träumen, Tatsachen, Erinnerungen, ich bewegen mich seit jeher gern dort, wo diese Grenzen verwischen. Das ist eben das, was ich für diesen Roman wollte, eine Welt zu erschaffen, die man einerseits erkennen, wo man sich dann aber doch nicht so sicher sein kann, wo genau man sich gerade befindet. Eine Irritation also, die zum einen kunstvoll ist, die aber doch dazu herausfordert, sich zu orientieren. In dieser Herausforderung steckt für mich generell der Sinn von Literatur, eben nicht in der Unterhaltung oder der Befriedigung von Erwartungen.
Es gibt ja eine offensichtliche Gleichzeitigkeit von Platte und Buch, wie kann man sich das in der Arbeit vorstellen, wie kam das zustande?
Wir waren im Auftrag des Goethe-Instituts vor einiger Zeit in China unterwegs und dort habe ich zusammen mit unserem Bassisten Pogo McCartney begonnen, mich für das Thema Detektive zu interessieren, schon dort haben wir uns überlegt, daß es doch interessant wäre, sich solch eine Detektivgeschichte einfallen zu lassen. Dabei ging es aber eher um dem Reiz der Detektivfigur an sich, die in der Regel zwar für das Gute steht, aber immer auch ein wenig halbseiden ist, ein Grenzgänger also. Es ergab sich dann, daß diese Gedanken auch für Messer interessant wurden – wir hatten spaßeshalber sogar kurz überlegt, uns in „Detektive“ umzubenennen. Ich habe also zugleich an das Album und an das Buch gedacht und auch begonnen, an beidem zu arbeiten. Und wenn ich das Gefühl hatte, daß bestimmte lyrische Sachen für mich noch nicht auserzählt waren, dann habe ich es halt für den Roman weitergesponnen, und manchmal hat das auch umgekehrt funktioniert. Letztlich sind davon aber nur noch wenige, sporadische Momente erkennbar geblieben – es geht da eher um die Grundstimmung, die beide Werke begleitet. Buch und Platte sind aber, das ist uns ganz wichtig, unbedingt getrennt zu sehen und bedingen einander nicht. „Jalousie“ ist das Ergebnis der Arbeit einer Band von fünf Leuten, das Buch habe ich allein geschrieben.
Über biographische Parallelen müssen wir ja sicher nicht sprechen, aber kann man sagen, daß Dir die Figur des Detektivs Joseph Weinberg vom Wesen her sehr sympathisch ist und Dir in gewisser Weise doch nahesteht?
Ja, aber eben weniger als Detektiv, sondern eher als Mensch. Es ist so, daß mir persönlich lyrische Texte schon immer sehr geholfen haben und ich mir gedacht habe, jetzt, da ich Weinberg derart beanspruche und malträtiere, möchte ich ihm mit den kleinen Gedichten, die im Roman erscheinen, gern auch etwas Tröstliches mitgeben, etwas, das mich auch immer begleitet hat. Grundsätzlich finde ich solche Menschen wie ihn immer spannend, die mit Widersprüchen leben, die sich ab und zu auch selbst im Weg stehen, die wie er auf der einen Seite tugendhaft und souverän sind, aber dann doch wieder alles kaputt machen und andere Menschen mit den Schlamassel hineinziehen.
Du wechselst, auch bei der Person des Detektivs, ab und zu die Erzählperspektive, kommst also vom Ich-Erzähler auch mal in die dritte Person – was wolltest Du damit bezwecken?
Ich wollte mich in diesen Momenten weiter wegbewegen vom Geschehen, bin da eher in der Beobachterposition und habe vielleicht auch Freude an bestimmten Bildern, die die Figur selbst gar nicht sehen würde, aus der ich sonst spreche. Also ein ganz bewusster Griff, vielleicht auch, um ein anderes Erzähltempo zu wählen. Ich habe auch viele Szenen eher wie durch eine filmische Kamera beobachtet, dafür war diese Perspektive einfach besser geeignet.
Du findest in dem Buch, ähnlich wie bei Messer schon, eine Vielzahl faszinierender, oftmals sehr düsterer Sprachbilder, die Bezüge zum Film Noir oder auch zur Gattung der Graphic Novells liegen nahe, gibt es da für Dich direkte Bezüge?
Mit Graphic Novells habe ich keine persönlichen Erfahrungen, der Gedanke, sich den Roman dahingehend vorzustellen, ist aber trotzdem sehr reizvoll. Zur Ästhetik des Film Noir fühle ich mich auf jeden Fall hingezogen. Ich mag solche Sachen, die so etwas wie eine Detektivgeschichte erzählen, ohne daß es unbedingt einen Detektiv geben muß, die Filmgeschichte liefert dazu ja tolle Beispiele – „Bladerunner“ von Ridley Scott oder David Lynchs „Blue Velvet“ beispielsweise. Ich finde übrigens, daß es auch in der Musik viele Dinge gibt, die ihrer Klarheit wegen über Jahre hinweg inspirierend sein können, ob das nun Krautrock ist oder die ganz frühen Elektronik-Sachen, die so viel innovative Strahlkraft haben, daß sie mehrere Generationen von Künstlern beeinflussen und überdauern. Und auch wenn mich die Hard-Boiled-Sachen wie Chandlers Marlowe u.a. natürlich schon irgendwie beeinflusst haben, waren es doch eher die Umwege, auf denen sie zu mir gelangt sind.
Ein Großteil der Handlung spielt ja in Megacities und ich unterstelle mal, Du hast solche Städte schon selbst erlebt. Faszinieren sie Dich eher oder schrecken sie einen mehr ab?
Ja, es gibt da in China diese Stadt Qingdao, wo wir auch mit Messer schon waren und die ich damals als wahnsinnig anziehend empfand. Ich habe dort viele Eindrücke, Bilder gesammelt, die auch später für die Ästhetik des Romans eine große Rolle spielten. Gleichzeitig haben solche Städte natürlich auch etwas sehr Verstörendes und Erschreckendes, weil man sieht, wie zwischen den titanischen Betonbauten verarmte Menschen im Elend dahinvegetieren. Das ist ja das Ambivalente daran, daß sie einerseits einen wahnsinnigen Sog entwickeln, aber auf der anderen Seite auch Orte sind, in denen ebensoviel Leid zu entdecken ist. Und trotzdem habe ich manchmal das Gefühl, daß Großstädte das Dämonische und Schlechte eher nach Außen kehren, auf dem Dorf oder in der Kleinstadt hingegen die schlimmen Tragödien viel eher hinter zugezogenen Gardinen verborgen bleiben. So gesehen macht mir das Dorf mehr Angst als die große Stadt.
Zum Schluss dann doch noch eine Frage an den Musiker: Müßtest Du ein Tape für das Fluchtauto von Maude und Weinberg aufnehmen, welche Musik dürfte darauf nicht fehlen?
Das ist interessant, denn während des Schreibens habe ich sehr viel elektronische Musik gehört, Industrial, Noise, sehr sphärische, strukturlose Sachen. Mir fällt aber ein, daß ich gerade eine Platte für mich entdeckt habe, die wahnsinnig gut als Score zum Roman passen würde: Sie stammt von der Kanadierin Buffy Saint-Marie, einer Künstlerin, deren Gesamtwerk eher in Richtung Country geht und eigentlich nicht ganz so meins ist. Sie hat aber 1969 ein Album namens „Illuminations“ veröffentlicht, das voller geisterhaften Synthesizer-Melodien ist und zum Zeitpunkt des Erscheinens ein kommerzieller Flop war – angeblich verleugnet sie es heute sogar. Ich habe diese Musik zwar erst nach Fertigstellung des Romans entdeckt, aber sie hat mich richtig gepackt und ich habe mir sofort gedacht, daß sie perfekt zu Weynberg und Maude passen würde.
High Sunn: Hoffnungslos
Ha The Unclear: Vorgeschmack
Birdsworth: Komische Vögel
Donnerstag, 20. April 2017
All We Are: Vorsichtiger Wandel [Update]
Update: Eigentlich sollten wir das Wort "vorsichtig" aus der Überschrift streichen, denn auch die nächste Single "Human" poltert überraschend los - die neuen All We Are dürften also mit den alten nicht mehr so viel gemeinsam haben. Das künftige Album wird übrigens "Sunny Hills" heißen und am 9. Juni erscheinen.
Poliça vs. Spank Rock: Aus der Versenkung [Update]
Update: Und hier ist dann das Video zur eigentlichen A-Seite "Lipstick Stains", wiederum entstanden zusammen mit Boys Noize.
Mark Lanegan: Einmal blutig, bitte
Neonschwarz: Perfekter Tag
Starling: Schlechte Stimmung
Mittwoch, 19. April 2017
Dion Lunadon: Hart bleiben
Dienstag, 18. April 2017
Kendrick Lamar: Unter Strom
Vilde: Neu erfunden
21.07. Berlin, Berghain Kantine
Sonntag, 16. April 2017
Autisti: Ausrufezeichen
„L'Altro Mondo“
(Crazysane Records)
Einen langen Atem und ausreichend Selbstbehauptungswillen – zwei Dinge, die man als Independent-Musiker in der Schweiz sicher gut gebrauchen kann. Es sind, schaut man sich bei Rock und Pop abseits der formatierten Wege ein wenig um, nicht viele Namen, die sich nachhaltig aufdrängen und über Kantonsgrenzen hinaus von sich reden machen: Früher mit The Young Gods, Grauzone und den Aeronauten ein paar wenige Ausnahmen mit Kultcharakter, heute neben Sophie Hunger und den erst kürzlich verblichenen Saalschutz vielleicht noch Dagobert und Faber als mögliche Hoffnungsträger. Unbedingt begrüßenswert deshalb, daß Louis Jucker und Emilie Zoé als erfahrene Künstler den Neuanfang wagen und zusammen mit dem Drummer Steven Doutaz unter dem Namen Autisti der Noisegitarre zu anhaltender Blüte verhelfen. Jucker hatte zuvor mit den Formationen The Ocean Collective, Coilguns, Red Kunz (allesamt eher der härteten Gangart verpflichtet) und auch solistisch gearbeitet, Zoé wiederum meldete mit ihrer Platte “Dead End Tape” ernsthafte Folk-Abitionen an – das aktuelle Projekt vereint nun beide Stilrichtungen auf durchaus reizvolle Weise. ‘Es geht auch ohne Bass!’ lautet wohl eine Maxime der drei und so knirschen und scheppern hier allein die Elektrischen ganz wundervoll zu dumpfem Geböller – dreiunddreißig laute Minuten in der Tradition von Dinosaur jr., den Pixies und natürlich Robert Pollards unermüdlicher LoFi-Kapelle Guided By Voices; die acht Stücke taumeln zwischen wilden Psychrockattacken, dichtem, zackigem Geschrammel und ruhigeren, ätherischen Phasen, die Stimmen von Jucker und Zoé mal verfremdet, eigentümlich verhangen oder auch mal als wüstes Gebrüll. Anspieltipps in jedem Falle der Opener “The Dower”, “Peaches For Planes” und das wunderbare “L’Altro Mondo” – ein Album wie ein Ausrufezeichen.
16.05. Karlsruhe, P8
17.05. Chemnitz, AC17
04.06. Düdingen, Bad Bonn Kilbi
Samstag, 15. April 2017
Plaza: Trotz alledem [Update]
Update: Und hier sind dann alle vier Stücke der EP versammelt - jetzt auch noch "Origami", "Vancouver" und dem Remix von "Totem".
Mittwoch, 12. April 2017
Four Tet vs. The XX: Herzensangelegenheit
Feist: Freudensprung [Update]
Update: Ein weiterer Song vom neuen Album geht in die Runde - hier kommt "Century", eingesungen zusammen mit Jarvis Cocker. Und dazu gilt es noch, den einzigen bislang bekannten Livetermin für Deutschland in diesem Sommer zu vermelden. Und zum Titelstück können wir nun auch die passenden Bilder liefern.
02. - 05.08. Luhmühlen, A Summer's Tale Festival
19.08. Wintherthur, Musikfestwochen
Dienstag, 11. April 2017
Saint Etienne: Nichts verlernt [Update]
Update: Und auch Vorauskopplung Nummer zwei groovt schön - "Magpie Eyes".
Timber Timbre: Menetekel
„Sincerely, Future Pollution“
(City Slang)
Was für ein wunderbarer Satz! Da hatte sich Taylor Kirk für eine aktuelle Lagebesprechung mit dem Netzportal NPR zusammengesetzt und auf die Frage nach der Grundstimmung des neuen, mittlerweile sechsten Albums geantwortet: “I had the idea that we could do something that was fun. Which ... we can't.” Recht hat er. Schon auf den vorangegangenen Platten, deren letzte 2014 die formidable “Hot Dreams” war, präsentierten sich die Kanadier ausnahmslos als Meister der dunklen Töne und mögliche Alternative zu den Tindersticks, den Bad Seeds oder The National. Wobei die vier Männer aus Montreal selten elegisch, sondern gern energisch zu Werke gehen, der kernige Blues auf ihrer Prioritätenliste weiter oben zu finden ist. So auch hier: Nach sanftem Einstieg werden die Gitarren etwas härter angefaßt – “Grifting” mimt den kratzigen Electro-Boogie, im fabelhaften “Sewer Blues” treffen sich Vergänglichkeit, Vergeblichkeit und pure Lust zu schwer rollenden Akkorden und selbst das getragene Liebeslied “Moment” jault zur Hälfte herrlich schief.
Die Ratlosigkeit der Welt angesichts ungelöster globaler, sozialer Probleme ist das große Thema gleich zweier Stücke von Timber Timbre: “Western Questions” wirkt nicht nur mit seiner kruden LoFi-Instrumentierung verstörend und düster, der Song will auch das Chaos, die zunehmende Ohnmacht und den allgemeinen Sittenverfall angesichts so vieler ungelöster Probleme ansprechen. Auch der Titelsong, ähnlich bedrohlich arrangiert und mit dronigen Gitarren und scheppernden Drums ausgestattet, setzt das Menetekel fort, auch an Kirk ist also der Machtwechsel in den USA nicht spurlos vorübergegangen und manchmal, so sagte er kürzlich der INTRO, sei er schon froh, im Nachbarland zu wohnen. Timber Timbre bleiben auch mit diesem Album eine sehr eigenwillige Band. Ihre Musik mag etwas mehr Zeit erfordern, bevor sie ihre ganze Vielfalt preisgibt – die Mühe hat sich bis jetzt, das neueste Werk inbegriffen, allerdings ein jedes Mal gelohnt. http://www.timbertimbre.com/
11.04. Berlin, Huxleys
15.04. Hamburg, Uebel und Gefährlich
13.07. Fribourg, Les Georges
23.08. Bochum, Jahrhunderthalle
Kendrick Lamar: Nur nicht übertreiben [Update]
Update: Jetzt mit Artwork und Tracklist - das neue Album von Kendrick Lamar, das diese Woche noch erscheinen soll, wird also "DAMN." heißen und hat jetzt auch ein Cover. Vierzehn neue Stücke inklusive "Humble" finden sich darauf, für den Song "XXX" ist wie schon vor Tagen kolportiert ein Featuring von U2 vermerkt.
Girlpool: Doch zu dritt [Update]
Update: Eine weitere Single mit Video (und Schlagzeug) gilt es zu vermelden, hier kommt der Clip zu "It Get's More Blue".
Montag, 10. April 2017
Ceiling Demons: Kein Entkommen
Diet Cig: Mehr Empathie! [Update]
„Swear I’m Good At This“
(Frenchkiss Records)
Man konnte ja in den letzten Monaten leicht den Eindruck gewinnen, dem Indierock sei die Leichtigkeit abhanden gekommen. Alles müsse groß und bedeutsam gedacht werden, jetzt, da sich die Welt immer schneller dreht und Menschen ihren Fortgang maßgeblich verantworten, die mit einem einzigen Tweet oder Haßkommentar mehr Unheil anrichten als alle kalten Krieger des vergangenen Jahrtausends zusammen. Keine Zeit also mehr für den überschaubaren und dennoch so verwirrenden Gefühlsstrudel der eigenen Jugend? Gäbe es Alex Luciano und Noah Bowman aka. Diet Cig aus New York nicht, man müßte wohl verzweifeln. So aber darf man das Debüt des Duos hören, fühlt sich gegenwärtig und gleichzeitig auf wunderbare Weise zurückversetzt in die eigene, chaotische und dennoch unbeschwerte Welt schmerzhafter Erfahrungen, ungeschönter Gefühle und der ganz großen Liebe – kein Tinder, kein Snapchat, kein Instagram, alles ganz real. Zumindest ein bisschen.
Wenn Luciano mit zarter, sympatisch verwackelter Stimme von ihren Alltagsnöten singt, dann klingt das weniger naiv als ehrlich, dann wird aus dem Klein-Klein plötzlich das lebenswichtige Große, ganz so wie man es von sich selbst kannte, damals, als die Welt noch an der Stadtgrenze endete und zwischen Himmel und Hölle auf Erden nur ein sehnsuchtsvoller Blick auf der letzten Party lag. Dazu poltern die Drums und scheppern die Gitarren, der Sound von Diet Cig kommt direkt aus der Hinterhofgarage. Dabei denken die beiden durchaus weiter – ihre Definition von Punk zum Beispiel, die sie kürzlich im Gespräch mit The Skinny erklärte, klingt jedenfalls ziemlich einleuchtend: „We like to think that it’s punk as hell to make sure everyone’s safe at a show, and it’s really punk to look out for your friends who are marginalised. I think caring about people and saying how you feel and being empathetic is way more punk than being aggressive.” Dieser Satz, diese Musik – man muß sie einfach gern haben. http://dietcig.com/
Update: Ja, und da sind sie dann, die Livetermine der Band für diesen Herbst.
02.10. Wien, B72
04.10. München, Orange House
05.10. Berlin, Berghain
07.10. Hamburg, Molotow
09.10. Köln, Blue Shell
10.10. Münster, Gleis 22
Sonntag, 9. April 2017
Familienalbum # 24: Wooing
Aufhänger (oder sollten wir besser Aufnäher sagen?) aber ist die gerade von Rachel Trachtenburg und ihrem neuen Projekt Wooing veröffentlichte Single "In Colour", ein Stück Psychrock allererster Güte. Die junge Dame aus Seattle hat augenscheinlich ein Faible für das, was man bei ihr daheim embroidery nennt, schließlich wird auch die zum Song dazugehörige Platte "Daydream Time Machine", die demnächst erscheinen soll, ähnlich hübsch gestaltet sein. Hier nun also das nächste Familienalbum, wie immer von links nach rechts und oben nach unten:
Wooing "Daydream Time Machine", Diet Cig "Swear I'm Good At This", Those Dancing Days "Home Sweet Home", Miss Montreal "Christmas Hearts", Los Trabantos "Między Rabarbarem A Pomidorem", Okkervil River "The Stage Names", Okkervil River "The Stand Ins", The Silver Apples "The Garden", Jenny O. "Home", Bright Eyes "I'm Wide Awake, It's Morning", Fargo "O.S.T.", Joanna Newsom "The Milk-Eyed Mender", Moloko "Things To Make And Do".
Giant Rooks: Unausweichlich
Support: Albert af Ekenstam
Milla, München, 8. April 2017
Man möchte nun wirklich nicht ständig auf dem Alter der Jungs herumreiten und tut dies wahrscheinlich auch nur, weil man mutmaßlich als Einziger mit weit weit über dreißig im Publikum steht. Aber nach zwei Dritteln der ausverkauften Show schicken sich die Giant Rooks an, einen Song von Bob Dylan zu covern. Nicht Coldplays "Yellow" oder "I Will Wait" von Mumford und seinen Söhnen, sondern "I Shall Be Released" also, einen Song, den der frisch geehrte Nobelpreisträger schrieb, als noch nicht einmal der Rezensent auf der Welt war. Und zwar als durchaus mutige Mixtur aus Reggae und Bluesrock. Nicht das Naheliegende jedenfalls, sondern gern auch mal das Unerwartete. Ein großes Risiko gehen sie damit dennoch nicht, denn wie alle Stücke zuvor gelingt dem Quintett aus Hamm auch dieses mit einer Reife, die staunen macht. Wie Sänger Frederik Rabe seine Mitmusiker Finn Schwieters (Gitarre), Jonathan Wischniowski (Keyboard), Luca Göttner (Bass) und Finn Thomas (Drums) im Stile eines erfahrenen Bandleaders durch den Abend führt und selbst noch Gitarre und Percussions bewältigt, ohne die Konzentration vermissen zu lassen, wie er die großen Gesten nicht nur vorsichtig probt, sondern schon wie selbstverständlich ins Repertoire übernommen hat, das nötigt selbst dem abgebrühtesten Konzertjunkie einigen Respekt ab.
Noch vor einigen Monaten tourten die Jungs im Vorprogramm von The Temper Trap und Rabe verkaufte am Merchandising-Stand türkisfarbene Socken für Von Wegen Lisbeth - daß sie nun mit nur einer einzigen EP schon als Headliner auf Reise geschickt wurden, erstaunt trotzdem kaum. Sind doch die Songs von "New Estate" (Haldern Pop Recordings, 2017) allesamt hochfeine Indiepop-Perlen, die auch live schon sehr erwachsen und ausproduziert klingen. Den Rest füllt die Band mit älterem Material und ein, zwei Neuankömmlingen, die laut Selbstauskunft auf einem Kurzurlaub in Schweden entstanden sind. Ihre Affinität zu Skandinavien hatten sie ja schon mit einem ihrer ersten Tracks unterstrichen - auch das wunderbare "Småland" gehörte natürlich mit auf die Setlist dieses Abends. Und auch wenn dieser dann irgendwann mangels weiterer Lieder zu Ende gehen musste, kann man sich nur wiederholen: Sollten sich die fünf in der nächsten Zeit keine groben Schnitzer erlauben, dann ist eine Blitzkarriere eigentlich unausweichlich.
09.04. Wien, B72
10.04. Leipzig, Täubchenthal
11.04. Bochum, Bahnhof Langendreer
12.04. Köln, Gebäude 9
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